Invictus by Tsipy

De Clint Eastwood

Avec Morgan Freeman, Matt Damon

Et voilà, le dernier Clint Eastwood sort dans nos salles alors que le dernier s’installe tout juste dans les kiosques (Gran Torino). Il est décidemment un réalisateur hyperactif, (30 films) et de ceux qui arrive à sortir deux films par an et toujours de grande qualité.

Clint Eastwood quitte son Amérique profonde et pour mon plus grand plaisir, Gran Torino m’avait beaucoup déçu avec son image christique. Il met donc en scène la coupe du Monde de rugby de 1995 en Afrique du Sud sous la présidence de Nelson Mandela. Loin d’être un biopic « à la mode » sur le Président mythique, il met en scène comment l’équipe nationale est arrivée à la victoire et comment le tout nouveau Président vit cette compétition.

Dans cette frénésie de réalisation, se dessine le héro à la Clint Eastwood. Un héro bien particulier que l’on aime sans l’adorer, que l’on pardonne sans vraiment comprendre pourquoi. Un peu à l’image du cow-boy des westerns dans lequel l’acteur a brillé, le héro du réalisateur est un solitaire malgré lui. En passant par Gran Torino, Sur la route de Madison, Million Dollars Baby et Invictus, son héros est un écorché vif, éloigné de femme et enfant(s). Pas tout jeune, son histoire reste une énigme dont il ne donnera que quelques clés. Toujours un peu grincheux et brute de décoffrage, il semble vouloir se faire pardonner en se donnant à l’autre. Malgré tout, cet homme restera toujours seul, mais repartira avec un sentiment de satisfaction.

Le film est sans nul doute, signé Clint Eastwood. On retrouve ces notes aiguës de Million Dollars Baby, la musque étant signé Clint Eastwood et Kyle Eastwood tout comme dans Gran Torino. Une musique pas envahissante mais qui révèle certaines parties importantes du récit.

Sans être très dur avec ce réalisateur que j’admire, j’ai depuis Million Dollars Baby, été déçue par ce metteur en scène, qui nous avait habitué à mettre l’émotion au premier plan de son film. Dans L’échange, le rouge à lèvre et le mascara d’Angelina Jolie étaient passés avant. Dans Gran Torino, où la musique transportait le spectateur, le grognement de l’acteur et l’image finale christique m’avaient désenchanté. Bien que nous ayons ici un changement majeur de style, il s’attaque aux faits et aux hommes historiques, mais l’explosion d’émotion ne fonctionne pas. Bien que Morgan Freeman joue un Mandela plus que semblable, on en oublie son visage, sans ajouter l’interprétation très juste de Matt Damon en capitaine et de tous les acteurs, ils livrent tous de très belles prestations. Mais, le réalisateur s’éparpille entre l’Histoire, les matchs et les histoires. L’ouverture du film qui débute avec les gardes du corps de Mandela était très prometteur mais on s’en échappe, on passe très vite sur Mandela et sa solitude puis ce côté s’envole et la caméra va faire un tour vers le capitaine. Il a, selon mon avis, tout voulu filmer sans pouvoir faire de choix au montage. Le récit se retrouve multiple sans que cela semble être l’intention de l’auteur. Un film qui avait un humanisme poignant se retrouve être un ensemble de confettis qui perd de son but. De plus, le réalisateur ne nous avait pas habitué à cela, on retrouve une foule de clichés : l’apartheid prend fin dès la victoire de son équipe nationale, les policiers blancs prennent des enfants noirs dans leurs bras… 

Mais Clint Eastwood en relatant une histoire vieille de 15 ans, prouve que le sport est indéniablement lié à la politique. L’actualité, hélas, appuie son propos, 2 footballeurs togolais sont morts suite à une fusillade de leur bus, alors qu’il se rendait à un match.

Tetro     by Rémi

De Francis Ford Coppola

Avec  Vincent Gallo, Alden Ehrenreich, Maribel Verdu

            Parmi les réalisateurs du Nouvel Hollywood, il en est un qui ces dernières années fut un peu moins prolifique qu’un Scorsese et surtout qui avait axé sa carrière de façon moins blockbusterienne qu’un Spielberg. De ce fait, et au grand malheur de certains dont je fais partie, Francis Ford Coppola s’est fait peu à peu oublié, est devenu un producteur touche-à-tout et surtout un réalisateur plus rare a l’instar de son public depuis la trilogie du Parrain. Après dix ans d’absence et un retour en 2007 avec L’homme sans âge, un amer constat financier s’impose : le réalisateur d’Apocalypse Now ne fait plus recette. Cette vérité est d’autant plus effrayante que Francis Ford Coppola fait parti des ces grands chefs de la cuisine cinématographique, connaissant toutes les recettes sur le bout des doigts et pourtant capable de les réinventer à chaque fois. C’est dans cette dynamique d’inspirations multiples et de création totalement originale que Tetro se pose comme chef d’œuvre.

            Le dernier film de Francis Ford Coppola est tout simplement incroyable et dès les premières minutes nous plonge dans un univers esthétique à couper le souffle. Une photographie véritablement exceptionnelle et le plus beau noir et blanc que je n’ai jamais vu donne à Tetro une atmosphère particulière, comme une réécriture de tous les classiques hollywoodiens. Bennie marchant dans les rues de Buenos Aires, c’est Orson Welles dans La soif du mal, c’est Brando Sur les quais, c’est Bogart arpentant les rues de Casablanca. Si la couleur est devenu le standard au cinéma, il est troublant de voir à quel point le noir et blanc lui est encore supérieur aujourd’hui en terme de simple beauté esthétique mais surtout de narration. Choisir de tourner un film en noir et blanc, c’est déjà raconter une histoire, c’est se revendiquer du même cinéma que Kazan ou Antonioni, réalisateurs dont Francis Ford Coppola s’est esthétiquement inspiré. Après Rusty James, Coppola revient donc sur des terres sans couleurs mais où le cadre est au millimètre et surtout la lumière, sublime, est avant tout là pour renforcer la présence de l’ombre. La lumière est même tellement importante qu’elle arrive à contaminer le jeu des acteurs, puisque pour ma part j’ai vu Vincent Gallo pousser l’intensité de son interprétation jusqu’au niveau de dilatation de ses pupilles. Bon, j’ai sans doute était le seul le voir, mais il n’empêche que le casting est impressionnant, avec un Vincent Gallo lunaire dans le rôle de Tetro (rôle à l’origine écrit pour Matt Dillon, le Rusty James) mais surtout un Alden Ehrenreich extraordinaire dans le rôle de Bennie, frère de Tetro qu’il retrouve à Buenos Aires après que ce dernier est coupé les ponts il y dix ans avec toute sa famille et en particulier son père, chef d’orchestre génial et parent incapable. Pour son premier long-métrage, le jeune acteur de 20 ans crève littéralement l’écran à la manière de ce qu’a put faire James Dean dans La fureur de vivre, effet qui était recherché par Francis Ford Coppola. Nous lui souhaitons évidemment un moins funeste destin. S’il présente des personnages hauts en couleurs et des acteurs de qualité, le reste du casting, principalement argentin, reste tout de même un ton en deçà des deux acteurs principaux.

            Premier scénario original écrit par Coppola depuis Conversation secrète sorti en 1974, vainqueur de la Palme d’Or à Cannes et qui à cette occasion ressort aujourd’hui en France dans deux cinémas, Tetro rassemble tous les thèmes chers à son auteur, en particulier la rivalité et la famille. C’est en cherchant à comprendre, à découvrir son passé que Bennie va rouvrir les plaies non cicatrisées de Tetro. C’est par ce même biais que le spectateur apprendra l’histoire de cette famille et les raisons du départ de Tetro. Scénario à tiroirs dont la forme semble sans cesse se répéter, l’histoire de Tetro s’organise comme une réflexion sur le lien unissant les frères ainsi que la propension de temps à se répéter inlassablement, refaisant à l’infini les mêmes erreurs.

            L’on peut évidemment critiquer le système hollywoodien qui veut que les réalisateurs doivent d’abord réaliser des films de commande, autrement dit ce que les studios supposent comme une attente de la part des spectateurs. On peut  déplorer que ce système fonctionne à terme comme une essoreuse renouvelant de plus en plus rapidement le cheptel de réalisateurs. Mais quand l’un d’entre eux survit à tout ça, il devient intouchable et peut enfin réaliser les films qu’il voulait faire à ses débuts. Vu l’ambition et la profondeur dont Tetro fait preuve, je ne peux finalement que saluer le système hollywoodien. Je pense en effet que c’est grâce à ce parcours quelque peu chaotique et à ce recul dernièrement prit par Francis Ford Coppola que ce dernier peut nous livrer aujourd’hui un film à la fois personnel et universel, un film qui ne livre pas tout dès la première vision, un film qui doit être muri par le spectateur autant qu’il le fut par son auteur. En d’autres termes, un grand film à aller voir d’urgence si ce n’est pas déjà fait.

Alvin et les chipmunks 2     by Etienne

De Betty Thomas

Avec Jason Lee, Justin Long, Jesse McCartney, Zachary Levi, Matthew Gray Gubbler, Anna Faris

 «À cause d’un accident impliquant Alvin et Dave Seville, ils vont vivre chez Toby le cousin cool de Dave Seville. Les Chipmunks doivent s’inscrire à l’école comme chaque enfant, ce qui présente de nouveaux défis à ces rock stars, comme traiter avec leur pair, la pression, le sport scolaire et bien sûr, des filles! Par « filles » nous voulons dire les Chipettes qui sont gérées par Ian Hawke, l’ancien manager avide Des Chipmunks qui veut les faire accéder au sommet. Dès lors, le trio de chanteurs devra faire face à des rivales très séduisantes pour remporter les 25 000 dollars qui sont à la clé pour sauver le programme de musique de leur établissement en participant au concours.

Voilà je vous livre le scénario de ce nouvel opus sans présentation et surtout sans ménagement, et là j’en suis peut être un peu plus coupable…

Personne ne les attendait. Et pourtant, les voici qui reviennent. Plus insupportables que jamais. Le premier épisode fit son apparition sur nos écrans il y a maintenant deux ans, sous la direction de Tim Hill, véritable spécialiste en la matière puisqu'il signa également Bob l'éponge le film en 2005, puis Garfield 2 en 2006. Et contre toute-attente, Alvin et les chipmunks rencontra un certain succès, toutefois aléatoire selon les pays il eu plus de succès auprès des petits français que les américains (incroyable non ?)

Ainsi donc, une suite semblait inévitable. Mais la charge en revient désormais à Betty Thomas, ancienne productrice devenue réalisatrice, notamment en 2006 avec John Tucker doit mourir qui est une véritable référence cinématographique….

On a beau savoir que le film s'adresse principalement aux enfants, on ne peut que pleurer devant tant de médiocrité et de simplicité. Alvin et les chipmunks 2 ne raconte rien.

Pire encore, il accumule les clichés les plus éhontés généralement propre à une suite indigne de ce nom.

Après avoir consacré un long-métrage aux trois petits écureuils dont on se serait bien passé, voici qu'on les affuble de tous nouveaux partenaires, qui plus est de sexe opposé. Car l'histoire ne présente qu'une succession de séquences « musicales », durant lesquelles les Chipmunks et les Chipettes poussent la chansonnette.

Difficile de s'en contenter. Bien sûr, les puristes nous rappelleront que ce film pourrait en fait apparaître comme un hommage, puisqu'à l'origine ces personnages ont « véritablement » existé, créés dans les années 50, et qu'une trentaine d'albums sortirent sur leur nom, connaissant alors un immense succès. Leur particularité était d'avoir une voix très aiguë, résultat d'une accélération des enregistrements des comédiens les doublant (aujourd'hui Justin Long, Jesse McCartney, Matthew Gray Gubler, Anna Faris, Christina Applegate et Amy Poehler prennent le relais). Ils s'en servaient alors pour détourner des chansons à succès sur un ton bien évidemment humoristique.

Sur ce même principe, Alvin et les chipmunks 2propose une série de tubes plus ou moins récents, de Stayin' Alive à No One (d’alia Keys).

Le long-métrage se présente alors comme un dérivé, certes plus enfantin, des récents Dance et autre High School Musical, où l'on découvre nos écureuils chanter et danser sous les yeux ébahis de centaines de fans.

Au delà de ce scénario inexistant, on ne retiendra que la performance des animateurs qui permet d’intégrer les Chipmunks aux images dites réelles.

Mais le jeu des dits vrais acteurs est a chaque fois exaspérant. David Cross joue de nouveau le méchant de service avec un manque de conviction et de crédibilité toujours aussi déconcertant. De son côté, Jason Lee, également présent dans le précédent épisode, retrouve son personnage de « Papa des Chipmunks » mais n'offre ici que le minimum syndical (victime d'un accident, il apparaît dans trois scènes (du a un accident il se retrouve bloqué à l'hôpital, quel idée scénaristique majeure !!) tandis que Zachary Levi (l’acteur inspiré et hilarant « Chuck » devient la « star humaine » de ce nouvel opus pour un rôle hélas sans saveur (il incarne un jeune looser traumatisé par l'école), aussi insipide et fade qu’un rôle d’Anna Faris (tient ce n’est pas elle qui double une des Chipettes… ?).

Un film d’une platitude consternante qui ne parvient a aucun moment à sauver quoi que ce soit de l’intérêt inexistant de cette niaiserie intersidérale.

A noter que ce film prendra une place importante dans ma filmographie, oui il fera partie de l’un des très rare film devant lequel je me sois endormi un moment (peut être que la nuit blanche de la veille y est pour quelque chose, je me demande si l’intérêt immense de ce film aurait pu m’endormir quand même.

Le soucis principal est que ce genre de film destiné au plus jeunes cinéphiles de la population risque d’attirer un nombre suffisant d’entrées pour pousser des producteurs aussi intéressés et inspirés que le « méchant de service » pour lancer la production d’un troisième opus.

La route   by Etienne

De John Hillcoat

Avec Vigo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Robert Duval, Charlize Theron, Guy Pearce

Dernier film en date de  John Hillcoat, réalisateur peu connu pour ne pas dire totalement inconnu de nos contrées européennes. Alors stop la fin du monde aurait on envie de dire entre Les fils de l’homme, 28 jours plus tard, 28 semaines plus tard, Je suis une légende, Le jour d’après, et bien d’autres. Il est fort probable que les gens se souviennent des années 2000 comme étant celles où Hollywood n’avait que l’apocalypse comme base de 80% de ses scénarios au même titre que la guerre du Viet Nam lors des années 70. Certes, certains de ces films sont d’excellents films de science-fiction comme Les fils de l’homme considéré comme l’un des meilleurs films de SF de ces 10 dernières années.

The Road réalisé par John Hillcoat est adapté du roman éponyme récompensé du prix Pulitzer de Cormack McCarthy paru en 2007. Auteur connu pour avoir également écrit No Country For Old Men. Donc dans un univers ravagé, un homme Vigo Mortensen et son fils interprété par Cody Smit McPhee marche cote à cote avec seulement un caddie de supermarché contenant toutes leurs affaires. Sur leur chemin ils feront la rencontre de plusieurs personnages aussi étranges que dangereux et devront lutter pour survivre contre les éléments. On notera une information importante, The Road n’a évidement rien à voir avec un blockbuster a grand spectacle à la 2012 aux effets spéciaux tant présent. The Road est probablement le film le plus réaliste et le plus sombre des films de genre.

En effet point de tsunami, de tremblements de terre dévastateurs ou d’éruptions solaires. Ce film est un film d’anticipation post apocalyptique. On apprend qu’un éclair a crée un véritable chaos sur Terre. Le film se situe dix ans après le changement brutal de la terre.
La première grande qualité du film réside dans les décors, on a véritablement l’impression d’être dans un monde dévasté où la vie a quasiment disparu de la surface de la terre. Le soleil n’arrive plus à passer car il est obstrué par des nuages de cendres.

Il n’y a plus de vie animale ni végétale, ainsi a plusieurs reprises on voit des arbres qui se dessèchent et qui tombent. Il y’ a également des secousses sismiques qui sont la pour indiquer que ce monde est vraiment proche de la fin. Le film est entrecoupé de flashbacks se situant avant le cataclysme que l’on suppose nucléaire puis les flashbacks se rapprochent de plus en plus du temps de l’histoire actuelle. C’est un film d’une gravité et d’une tension rarement évoquée dans un film, rare sont les films montrant un père pointant un révolver sur la tempe de son fils afin de le protéger. En effet dans cet univers post apocalyptique toute forme de nourriture ayant quasiment disparu et le cannibalisme s’est répandu et il est donc nécessaire pour les deux héros de ne pas se laisser prendre par des groupes armés sillonnant les routes. Le père cherche à conserver l’humanité qu’il reste, il cherche à éduquer son fils qui n’a jamais connu autre chose que ce monde en ruine. C’est donc un film mettant en avant la relation père-fils où le premier désabusé par ce monde qui s’écroule et par la réaction des survivants qui sont quasiment tous devenus des personnes sanguinaire anthropophages ou encore des voleurs cherche coute que coute à défendre son fils dans cet environnement ou la survie est une difficulté de tout les instants. Le second a savoir son fils aime son père mais reste le personnage qui garde un espoir en l’homme et qui n’hésite pas a donner une boîte de conserve, chose devenue rare et convoitée ou a solliciter son père pour qu’il fasse de plus grande pitié envers certains personnages comme le vieil homme interprété par Robert Duval. Le film est sans conteste l’un des meilleurs films de SF de ces dernières années parce que nul sauveur de l’humanité, nul moment de bravoure ultime du héros simplement des épisodes de vies dans un monde dévasté font du personnage principal ordinaire un père exceptionnel qui depuis 8ans protège son fils de cette terre hostile.
Ce qui renforce encore la qualité de ce film c’est sans conteste le choix des décors, un travail hallucinant de recherches le film met en scène des décors naturels dévastés et fait de cette nature hostile un personnage a part entière. Une photographie vraiment sublime avec des décors de désolation, d’abandon, de destruction qui renforcent cette sensation désagréable que le monde n’est plus qu’un immense champ dévasté. A noter également la performance impressionnante de justesse des deux acteurs principaux, un Vigo Mortensen qu’on connait pour un être un acteur investi dans ses rôles et dans The Road c’est à nouveau le cas, il incarne a la perfection un personnage ayant survécut 8ans dans un monde en ruine. Vigo incarne un être décharné, squelettique. Et l’acteur qui joue le fils que l’on ne connaît pas en Europe surtout connu en Australie est véritablement bouleversant. On notera qu’une véritable relation s’est instaurée entre les deux acteurs.
Le film porte un regard très pessimiste sur l’avenir de l’homme sur la terre, beaucoup plus crédible et grave et beaucoup plus apeurant que tout les 2012 que l’industrie Hollywoodienne pourra produire. Toujours très juste dans le temps le film livre une réflexion sur une possible évolution de notre monde si on continue à le souiller sur le plan environnemental.The Road se place en étendard d’un futur de plus en plus possible.

Voila un beau film qui bénéficie de bons acteurs, d’une magnifique photographie, et d’une bande son qui colle à la peau du film et d’un scénario qui adapte le roman à succès de Cormack McCarthy. Le peut être bémol du film seront pour ceux qui ont adoré le film qui ne retrouveront peut être pas l’ambiance aussi noire et pesante qu’ils ont connu dans le livre.

The Limits Of Control   by Rémi

De Jim Jarmush

Avec Isaach de Bankolé, Alex Descas, Jean François Stevenin

            Il y a des jours comme ça. Pas trop de temps, pas trop l’envie non plus d’écrire une introduction de quinze lignes qui n’a quasiment rien à voir avec le film si ce n’est à la lumière d’un petit switch final de derrière les fagots. Je me dis que ce n’est pas bien grave et que personne ne m’en voudras si pour une fois je me cantonne uniquement au traditionnel résumé. Et là pas de bol, je tombe sur un film pas impossible à résumer mais franchement pas loin. Allez, je me lance. Un homme se voit apparemment confié une mission par un autre homme. Cette mission dont on verra la finalité mais pas la nécessité va mener l’homme en Espagne, et plus particulièrement à Madrid et Séville. Il rencontrera en chemin différents personnages, tous plus étranges les uns que les autres et surtout constituant chacun un maillon de la chaîne se resserrant autour du cou de la victime du complot, de la mission de l’homme seul. Oui, je sais, comme ça, ça ne paraît pas être clair, et encore dites-vous que je vous en raconte sans doute plus que ce Jim Jarmusch a mis dans The Limits of Control. Pas de nom pour les personnages, une continuité temporelle et narrative entrecoupée de nombreuses ellipses. Voilà tous les éléments qui compromettent de façon irrémédiable la compréhension et surtout l’affirmation d’une vérité unique au profit de la multitude d’interprétations et de conjectures possibles, et qui font de The Limits of Control un formidable film sur la liberté.

            Des acteurs libres pour commencer. En effet, contrairement à son habitude, Jarmusch a cette fois-ci travaillé avec un scénario très mince et n’écrivait les dialogues que quelques secondes avant que les acteurs ne jouent les scènes, laissant ainsi place à l’improvisation. Le film part donc un peu où il veut, tantôt thriller calme tantôt comédie new-yorkaise dans les rares scènes de dialogues qui sont finalement des monologues. Des acteurs libres donc, à la performance minimale mais juste, à l’exception d’Isaach de Bankolé, tout bonnement exceptionnel dans un rôle principal quasi muet mais diablement intense. Mais la vraie liberté, c’est évidemment avec Jim Jarmusch qu’elle s’exprime pleinement. Tout d’abord au niveau formel. En effet, Jarmusch semble totalement libre d’offrir une mise en scène où il peut démontrer tout son talent. Chaque plan est différent du précédent, sauf quand le réalisateur veut jouer sur un effet de répétition et reprend alors un plan à l’image près. Toute la palette du procédé filmique est utilisée sans jamais faire catalogue ou bariolage. The Limits of Control s’apparente bien plus à une toile de maître composée de chaque couleur existante à ce jour sur Terre et dont le figuralisme est pourtant opérant, tout en gardant une part de liberté avec la forme conventionnel de ce qui est représenté. Pour être plus parlant, le film de Jarmusch, c’est à mon sens un portrait cubiste d’un complot politico-financier, tableau ainsi comparable à celui que va observer l’homme seul au Reina Sofía lorsqu’il se trouve à Madrid. Cubiste car plus ou moins déstructuré. Si la chronologie est respecté dans son mouvement (c’est-à-dire pas de flashback ni de projection), elle l’est moins dans sa continuité. Les ellipses, parfois minimes, parfois énormes, peuvent accélérer mais surtout rendre le film opaque à la compréhension de l’histoire et non pas du propos. A l’instar de l’homme seul, qui questionné sur la manière dont il a pénétré dans une sorte de bunker hyper-sécurisé sans éveillé l’attention des gardes répond qu’il a utilisé son imagination, le spectateur devra faire de même pour trouver la réponse au « comment ? ». Cette question du « comment ? », Jim Jarmusch a préféré ne pas s’en soucier, pas plus que celle du « pourquoi ? », pour la simple et bonne raison que le film se libère ainsi de la causalité, chaîne pourtant sensée être inaliénable.

Le drôle de Noël de Scrooge    by Tsipy

De Robert Zemeckis

Avec Jim Carrey, Gary Oldman, Colin Firth

Scrooge est un affreux personnage dans l’univers parfait de Noël by Walt Disney. En effet ce vieil homme aigrit est en plus d’être laid, avare et insensible. Il ne vit que pour son livre de compte et n’offre d’importance qu’à l’argent. Ni la mort de son associé Marley, ni la misérable vie de son employé, Bob Cratchit n’ont réussit à l’émouvoir. Les enfants comme els adultes ont peur d’Ebenezer Scrooge, le plus riche et le le plus avare marchand de Londres. Et l’époque que Scrooge déteste le plus est celle de Noël : il ne peut supporter la joie et la bonne humeur qui remplissent les rues et ruelles de Londres malgré la misère. Mais c’est durant ce Noël que Scrooge va vivre une histoire qu’il n’est pas prêt d’oublier. En rentrant chez lui, le fantôme de son associé, Marley va lui apparaître et lui annoncer la visite de trois esprits. Dans la nuit il va faire la rencontre des Esprits de Noël. Ils vont le hanter les uns après les autres et lui montrer ce qu’il a vecut, ce qu’il vit et ce qu’il pourrait vivre.

Si Walt Disney sort l’histoire de Scrooge, c’est bien parce que c’est Noël et l’auteur original de ce conte leur assure un récit actuel et universel. Il s’agit bien du génie de Dickens encore une fois montré sur grand écran. Et si c’est lui c’est bien parce qu’il tient la route depuis près d’un siècle et demi. Une histoire que l’on conte aux petits et que l’on a conté. Ce film leur assure un public divers et varié.

Mais Disney met plusieurs flèches à son arc. Il utilise la 3D, pour innover et des acteurs, des vrais et des supers star. Scrooge est donc Jim Carrey.

L’histoire de Dickens est très loin de décevoir, ce récit est fantastique d’inventivité. À la fois terrifiant, magique et émouvant, il séduit le spectateur. La morale très basique, le destin n’existe pas, c’est l’homme qui crée sa propre vie, et nous avons tous une influence sur la vie des autres, découle d’une histoire originale et belle.

Le réalisateur, Zemeckis, met en scène la pauvreté de Londres. Dans chaque recoin de l’image, on peut apercevoir un gavroche à la Oliver Twist. Les personnages secondaires et même les figurants ne sont pas mal traités, leur visage est travaillé, à tel point que l’on peut leur imaginer une histoire propre. Les rues de Londres sont fidèles à celles de son époque et l’on y voit le travail des auteurs. Les paysages sont toujours d’une perspective renversante. Une ligne de fuite infinie qui image l’état d’esprit que l’on devrait avoir. Et Zemeckis n’a pas enlevé les parties les plus sombres du conte. Scrooge est effrayant et pas du tout attendrissant, quant à Londres, elle est une ville sans pitié avec les plus démunis. Et c’est peut-être pour cela que le film est interdit aux moins de 10 ans. Il peut en être réellement effrayant pour les plus petits, notamment, l’apparition de Marley qui est tout simplement monstrueux, attaché par de longues chaînes au bout desquelles de lourds blocs de pierres, il apparaît à Scrooge en colère et vengeresse.

Tout était là, les clés d’un bon film d’animation. Mais Disney s’est vu obligé d’y insérer de la 3D selon moi inutile et Jim Carrey, que l’on ne reconnaît pas sauf lorsqu’il grimace et enlève le charme de Scrooge. Des bonnes blagues lourdes à l’Américaine détruisent le charme du conte. De longs travellings sans fins et rapides où le spectateur n’a pas le temps d’observer les décors anéantissent le travail des décorateurs. Cela fatigue les yeux et c’est un vrai repos lorsque la caméra se pose, enfin du calme, on se retrouve dans notre état de spectateur, on regarde partout mais quelques secondes plus tard, on nous ré emmène dans les cieux, sous terre à toute vitesse. Qu’est ce que cela peut être épuisant et décevant.

Le récit impérissable de Dickens travaillé dans la modernité c’est-à-dire la 3D et celle de réels acteurs est selon moi une énorme erreur. Cependant Disney semble être attaché à l’authenticité et sort bientôt La princesse et la grenouille, esthétique travaillée à l’ancienne, qui me semble être beaucoup plus réussi que Scrooge. Mais quel dommage. 

2012     by Vincent

De Roland Emmercih

Avec John Cusack, Chiwetel Ejiofor et Amanda Peet

Un des films les plus attendus de l’année (juste derrière le très attendu Avatar). Mais il n’était pas nécessaire de faire autant de foin pour si peu de chose. Non pas que le film est d’une nullité totale, il faut surtout dire qu’il n’est pas une réussite totale, loin de là.

Résumé :

2012 raconte l’histoire de la fin du monde comme le prédit le calendrier Maya, l’une des plus anciennes civilisations du monde. En effet, ce dernier s’achève le 21 Décembre 2012. Afin de vérifier si ces dires sont exactes, les astrologues, les numérologues, les géophysiciens et toutes sortent d’experts gouvernementaux valident cette théorie. Malheureusement, il est trop tard pour chercher à sauver tout le monde. Lorsque les plaques tectoniques se mettent à bouger et à créer des séismes d’une amplitude telle que des villes comme Los Angeles sont rasées en quelques minutes, Jackson Curtis, romancier, et sa famille se lancent à corps perdus dans un voyage désespéré…

Après Independance Day et Le jour d’après, Roland Emmerich revient sur nos écrans avec un nouveau film catastrophe, mettant en scène l’Apocalypse avec un grand A. En effet, 2012, se base sur un fait réel : la prédiction de la fin du monde en 2012 selon le calendrier Maya. Cette théorie étant encore à l’étude (puisque le NASA réfute cette thèse tandis que des chercheurs l’approuvent) on est en droit de se demander « A quoi ça va ressembler ? ». A travers des effets spéciaux époustouflants, Emmerich tente de nous montrer sa vision de la chose. Jusque là, c’est plutôt bon comme idée. Mais ça se complique lorsque le scénario nous présente un écrivain divorcé, tout ce qu’il y a de plus banal, du nom de Jackson Curtis (John Cusack) qui part sauver ses gosses et sa femme du cataclysme. L’action, plutôt dramatique à première vu, semble amuser les personnages tout au long du film. Depuis la course en voiture dans Los Angeles contre le méchant séisme, jusqu’au tsunami de dans le Tibet, en passant par des zigzags en avion entre des immeubles qui s’effondrent et une pluie de boules de feu sur le Wisconsin, nos « héros » trouve le temps de se lancer des petites blagues (américaines bien sûr) et d’admirer des voitures de collections. Bref, deux scénar’ pour le prix d’un ; manque de bol, le deuxième vient pourrir le premier.

Passons maintenant du côté des acteurs, avec le vrai-faux retour de John Cusack qui ne trouve toujours pas de rôle qui puisse nous faire oublier le pitoyable Chambre 1408 de 2007. Dommage, car l’acteur joue bien, mais le personnage qu’il incarne est affligeant de banalité. A noter que l’on retrouve également l’acteur Chiwetel Ejiofor (Inside Man, Les Fils de l’Homme, American Gangster), Thandie Newton (Entretien avec un Vampire, Mission Impossible 2 et W.) et Danny Glover (L’arme fatale, Soyez sympas, rembobinez !) dans le rôle du Président des Etats-Unis, ni plus, ni moins.

Voilà. En bref, 2012 n’offre pas beaucoup plus à en dire que le scénario et les acteurs, sinon que les effets spéciaux sont vraiment très réussis, au point d’en être frissonnants par moments. Un film qui se laisse voir, mais qui au final, n’apporte pas grande satisfaction. Espérons que les gros films de fin d’année ne sont pas tous de cette trempe.

A l’origine     by Tsipy

De Xavier Giannoli

Avec François Cluzet, Emmanuelle Devos et Gérard Depardieu

Un film avec un projet bien ambitieux, tiré d’une histoire vraie, il relate la vie d’un petit escroc, arrivant dans un village du nord de la France affaiblit par le chômage et l’absence de perspective. De petit escroc, il passe à chef de travaux d’une parcelle d’autoroute qui ne vient et ne va de nulle part, gérée par une entreprise qui n’existe pas. Ce qui aurait pu être son plus grand coup devient son entreprise qu’il gère avec les tripes. Le village entier adopte cet homme qui leur promet monts et merveilles, sans douter de lui, ils lui offrent tout : hospitalité, amitié et argent. Le village qui aurait pu être une croix sur sa « carte de chasse » devient son village, dont il est le sauveur. Les habitants qui auraient pu être des victimes parmi d’autres deviennent sa famille, ses amis… Le personnage principal, grand solitaire semble avoir trouvé où poser ses valises. Le tout est de savoir comment cet homme dont les intentions premières étaient plus que malsaines va pouvoir sortir de ce cercle vicieux sans autres solutions que de fuir et quitter sa famille adoptive.

À l’origine de ce film, de bonnes intentions, l’histoire d’un escroc repentit sans rentrer dans le mélodrame est très intéressante. D’ailleurs, le réalisateur le fait très bien. Nous suivons ce Mr Miller du début à la fin, dans ces craintes, ces espoirs… la psychologie du personnage est très bien faite et ne contient aucune contradiction.

Le réalisateur met en scène son récit dans le nord de la France. Le tableau réaliste de cette région est suivi du début à la fin. Y est peint, une population pleine d’espoir et de rêve qui subit la crise économique de la région qu’ils ne quitteront jamais car ils ne connaissent qu’elle. Des personnes très attachantes, en passant par la jeune mère, le jeune dealer et papa, la maire veuve et désemparée… Une peinture de la société actuelle sans stéréotypes, ni clichés qu’il montre ni bête, ni idiote mais simplement pauvre, non pas de culture mais de vice. Ils offrent tout à cet homme qu’ils ne connaissent ni d’Eve ni d’Adam. Et bien qu’il puisse être un escroc, tant pis, le tout est de croire.

A l’origine de ce film, de très bons acteurs. Le rôle de Mr Miller, interprété par Cluzet est une très grande réussite. Il faut dire que cela tient plus de la performance pour ce comédien, qui occupe les 99% du film. Du début à la fin, Cluzet est Mr Miller et prouve son talent dans l’expression de son visage mais aussi jusque dans ses respirations. Quant à Emmanuelle Devos, jouant le maire du village qui s’amourache avec Cluzet, elle est attachante et son regard interprète bien la femme qui possède une longue histoire.

Mais au final, car il est bien d’avoir de bonnes intentions, mais le film possède de nombreuses lacunes et cela est bien dommage.

Beaucoup de scènes sont inutiles, le film donne l’impression que le réalisateur a souhaité insérer dans son film toutes celles qu’il a tournées. Certaines scènes métaphoriques sont beaucoup trop longues et pas forcément nécessaires au récit. Elles coupent le rythme au film et c’est cela qui manque le plus : du rythme. Ce dernier est beaucoup trop saccadé : une séquence lente, puis une haletante suivie d’une scène ordinaire… Quant à Soko, une chanteuse formidable que j’aime beaucoup, un conseil : reste à la chanson et arrête de suite a comédie. C’est pitoyable.

J’irai même plus loin, je pense que la première partie qui nous raconte qu’il s’agit bien d’un escroc, ces quarante premières minutes ne sont pas indispensables au film. Il aurait été plus intrigant de ne pas savoir si ce mystérieux Mr Miller était un escroc.

Donner toutes les clés au spectateur n’est pas essentiel, au contraire il est beaucoup plus appréciable pour ce dernier d’être plongé dans le doute. Selon moi, sans cette première partie, je ne me serai pas assoupie, chose que j’ai déjà faite une fois et c’était pour Scary Movie III. Entre les intentions merveilleuses, le récit à l’origine remarquable et le résultat sans rythme, sans fond, lourd, le spectateur s’y perd et s’endort. DOMMAGE.

L’enfer d’Henri-Georges Clouzot     by Rémi

De Serge Bromberg et Ruxandra Medrea

Avec Romy Schneider, Serge Regiani, Berenice Béjo et Jacques Gamblin

Le cinéma est truffé de projets avortés car trop ambitieux, irréalisables, ou juste à cause d’un concours de circonstance. L’enfer fait partie de ceux-là, et un peu pour toutes les raisons précédemment citées. L’enfer, c’est l’expression la plus pure du génie filmique d’Henri-Georges Clouzot, génie à la fois créateur et destructeur qui conduira le projet à sa perte. L’enfer, c’est un brasier, un abîme brulant dont le feu a couvé sous la cendre pendant près d’un demi-siècle et qui n’attendait que d’être exhumer par Serge Bromberg et Ruxandra Medrea pour brûler à nouveau. Histoire d’une belle au bois dormant réveillée par le plus grand des hasards. Serge Bromberg, figure de la cinéphilie française, se retrouve un jour coincé dans un ascenseur avec Inès Clouzot, veuve du cinéaste disparu en 1977. En résulte une ouverture des archives personnelles du réalisateur et la découverte émue de non pas dix ou vingt mais bien cent quatre-vingt-cinq bobines, soit seize heures de film en parfait état tournées durant le printemps et l’été 1964. Il apparaît alors comme une évidence que cette exhumation ne peut rester dans le cadre uniquement privé, et Bromberg de monter un projet pour faire rejaillir au grand jour le talent du réalisateur français.

Le résultat est tout simplement unique. Pas tout à fait un documentaire, L’enfer d’Henri-Georges Clouzot (puisque c’est bien de ce film-ci qu’il faut parler) ressemble plus à une recomposition, à une reconstruction d’un  puzzle constitué de tout ce qu’aura été le film de Clouzot, mais également de tout ce qu’il aurait put être. Si la vision d’ensemble offre un rendu homogène et passionnant, il faut tout de même distinguer différents types parmi les pièces composant le puzzle. En premier lieu, il y a les pièces d’origines, celles qui constituent à la fois la substantifique moelle mais également l’ossature du film, à savoir les fameuses images extraites des 185 bobines. Tout le génie de Clouzot nous saute alors à la figure pour mieux nous prendre à la gorge. Non content de montrer une véritable science du cadrage dans les scènes de réalité, le cinéaste français s’était permis toutes les audaces visuelles et esthétiques pour rendre compte au mieux de la névrose pathologique de Marcel Prieur (un Serge Reggiani époustouflant), jaloux maladif convaincu d’être trompé par sa femme Odette. On ne peut que rester béat d’admiration devant ces plans fantasmés et fantasmagoriques où l’omniprésence du  mouvement dans l’image n’a d’égal que la fixité du plan. Les lumières changeantes tournoient, l’image s’autorise à revenir en arrière, les corps se déforment, et tout cela pour mieux permettre à  la beauté de venir s’imprimer sur le film. Pour ne citer qu’un exemple, la simple émotion esthétique provoquée par trois points lumineux qui viennent tourner sur l’iris de Romy Schneider est déjà à mon sens sans équivalence, si ce n’est Romy elle-même, tout simplement somptueuse, à l’instar de l’autre second rôle féminin interprété par Dany Carrel. Tout ne fonctionne évidemment pas aussi bien (je pense en particulier à la récurrence du rouge à lèvre bleu) mais l’ensemble du travail filmique et des trouvailles de Clouzot constitue sans doute possible un véritable régal pour cinéphile. Après, ce puzzle se compose aussi de pièces rapportées, c’est-à-dire de témoignages des différents collaborateurs de Clouzot présents avec lui sur le tournage, Costa-Gavras et Jacques Douy en tête. Se dessine alors avec ces différents récits la figure du génie tyrannique obsédé par une perfection inatteignable et incapable de déléguer malgré les trois équipes de tournage présentes. On comprend aussi que le budget illimité ainsi que l’absence d’un véritable producteur n’ont finalement fait que précipiter le projet dans la tombe. Enfin, dernier type de pièce de ce puzzle somme, les pièces détachées, c’est-à-dire des séquences crées pour combler les vides laissés par les bobines d’origines. Jacques Gamblin et Bérénice Bejo reprennent donc les rôles de Marcel et Odette avec justesse. Néanmoins, le fait que les acteurs jouent scénario en main et dans un espace totalement neutre et vide laisse une désagréable sensation d’inachevé, comme si des pièces à l’image correspondante mais à la forme inadaptée avaient été intégré de force dans le puzzle.

Mais comme je l’ai dit précédemment, l’image globale est elle parfaite et ce petit défaut disparait bien vite dès que l’on prend le recul nécessaire. Monsieur Bromberg a déjà reçu le prix Jean Mitry en 1997, prix décerné tous les ans et qui récompense une personne pour son implication dans la sauvegarde du cinéma ancien. Qu’on lui apporte vite une deuxième médaille, il l’a mérite amplement. 

Clones   by Etienne

De Jonathan Mostow

Avec Bruce Willis, Rosamund Pike, Radha Mitchell, Ving Rhames

Clint Eastwood, Orson Wells, David Lynch, Stanley Kubrick, Ridley Scott, Quentin Tarantino, David Fincher, Darren Aronofsky, Martin Scorcèse, Spielberg Peter Jackson. Tous ces noms évoquent aujourd’hui pour vous qualité, chef d’œuvre et émotions. Et bien à partir de maintenant il faudra compter sur Jonathan Mostow. Non jrigoles c’était pour lui  offrir la seule chance qu’il aurait d’être associé avec ces réalisateurs et la notion de grands films.

Jonathan Mostow c’est qui ? Et bien pour resituer un peu. Le réalisateur eu la lourde tache de succéder à James Cameron pour Terminator 3 et d’en assurer la débâcle.

Il faut quand même expliquer a Mr Mostow que le cinéma, a fortiori quand on veut faire un bon film il ne suffit pas de balancer les codes et les références à la va vite.

Deux agents du FBI enquêtent sur le meurtre mystérieux d'un étudiant, qui semble lié à l'homme qui a contribué à mettre au point une invention qui s'est imposée dans toute la société : les gens peuvent désormais acheter des versions robotisées d'eux-mêmes, des doubles sans défaut qui, commandés à distance, effectuent leurs tâches à leur place et leur permettent de vivre par procuration sans quitter le confort et la sécurité de leur domicile.
Cette révolution technologique soulève beaucoup de questions, dont la première va vite devenir préoccupante : dans un monde d'apparences qui est réel, à qui peut-on faire confiance ?

Alors tout d’abord Clones est la magnifique traduction du titre américain Surrogates…soit Substituts dans le texte. Mostow semble être un fan de Cameron, il réalise avant lui son avatar…Et pour ça quoi de mieux d’adapter un roman graphique. Et attention Mostow réalise le plus grand patchwork cinématographique américain  de l’année.

Comme dans le film la fin des temps avec Schwarzenegger, Mostow insiste sur le passé douloureux et tourmenté du héros à cause décès de son fils, On s’inspirera de la femme de Tom Cruise dans Minority Report en déni et bourrée de cachetons anti-dépresseurs. ? Notre héros se projette dans un clone cybernétique en s’asseyant dans un fauteuil futuriste comme dans Bé Matrix !

Jonathan Mostow fait des références à tout bout de champ par exemple il s’est demandé comment rendre hommage a Nicholas Cage dans sa recherche perpétuelle de la coiffure la plus improbable. Il colle donc une magnifique moumoute blonde a Bruce. Ce qui nous permet de nous replonger dans la série Clair de lune.

Comment faire pour le méchant…. ? Et bien on pique un clone (saisissez  la référence) de Max Von Sydow de Minority Report , j'ai nommé James Cromwell qui jouait déjà l’inventeur des robots de I Robot…oui je vous l’avez dit Mostow prend des références partout.

Ensuite Mostow s’est dit qu’il avait déjà amputé une belle partie de son budget et s’est demandé comment allons nous faire pour la déco et les costumes ? Pour l'usine de robot, il doit rester quelques stock d’images d'I-Robot en stock et pour la tenue de Bruce, dites lui de ramener le superbe blouson en cuir qu'il avait dans Die Hard 4. Pas plus compliqué que ça !

Et nous pauvre spectateur (amateur) de ce chaos S.F, on n'a plus grand chose à ajouter. Clones est l'une des pires daubes de l'année. Une sorte d' A l'aube du 6eme jour avec Bruce Willis. La meilleure séquence reste encore ce générique d'ouverture illustrant en montage "à rebours" les événements qui ont conduit à la présence prédominante des robots dans notre société en appuyant sur  le fait que au début cette nouvelle technologie avait été inventée pour les handicapés, une entreprise humaniste qui se sera pervertie.

Sauf qu'après ça il n'y a rien. A contrario, la fin est prévisible au bout de 10 minutes de film (si vous tenez jusque là). Et Mostow de faire sortir les humains au grand jour en les libérant de leur aliénation de leur  après les avoir enfermés dans le final de Terminator 3. Symbolique quand tu nous tiens...

Un scénario donc prévisible bien qu’assez embrouillé, je suis le méchant mais en fait je cherche le bien de l’humanité.

On retrouve exactement les mêmes effets spéciaux que dans Terminator 3. Il faut accorder aux maquilleurs un boulot exceptionnel sur les acteurs, un Bruce Willis tantôt home plastique avec une balayette a chiottes sur le crâne, tantôt flic mal rasé, alcoolique désabusé de l’autre.

A force d'accumuler honteusement et maladroitement les références aux oeuvres littéraires (K.Dick, Asimov) et la relecture des films de S.F (I Robot, Matrix, Intelligence Artificielle, Minority Report, Termiantor 3), le film Surrogates, se plante dans les grandes largeurs dans un final convenu et prévisible qui ne fait que renforcer notre sentiment initial quant a l’absurdité du film et c’est dommage. Car encore une fois le sujet méritait un meilleur traitement, avec un scénario de qualité et plus inspiré. Le film ne dure qu’une heure et  25minutes et on se dit que c’est pas assez pour un bon film de science fiction qui se respecte mais que c’est largement trop pour le plus grand patchwork représentant le plus manque d’inspiration de l’année.

On se consolera en se disant qu’Hollywood  aime une chose encore plus  forte que de produire des adaptations ratées, doublée d’un sujet de science fiction. Les remakes !!

Espérons qu’un jour ce thème aura l’honneur d’être mis à l’écran par un réalisateur inspiré tel qu’un Richard Kelly, un Ridley Scott, Neil Blomkamp ou un James Cameron tout simplement.

Cinéman   by Rémi

De Yann Moix

Avec Franck Dubosc, Lucy Gordon, Pierre François Martin Laval, Pierre Richard

            Parmi les questions qu’il arrive à l’homme de se poser au cours de sa vie, on cite en premier lieu les fameuses questions existentielles telles que : « Qui suis-je ? Où vais-je ? Pourquoi ? Dans quel état j’erre ?», évidemment sans oublier le primordial « Chérie, qu’est-ce qu’on bouffe ce soir ? ». Mais lorsqu’il n’en est encore qu’à son stade juvénile, les questions existentielles de l’homme se résument souvent en une seule et même interrogation : « Quand c’est Noël ? ». Eh bien, il me faut l’avouer, cette question au combien métaphysique est revenu hanté mon esprit ces derniers temps. En effet, et ce malgré le fait que nous ne soyons que début novembre, les bonnes surprises cinématographiques s’enchainent. Après que Le ruban blanc met permis d’inaugurer ma toute nouvelle réconciliation avec Michael Haneke, après avoir retrouvé l’essence du King of Pop sur grand écran grâce à Kenny Ortega, c’est maintenant au tour du film quasiment le plus mal vendu de tous les temps de se révéler comme joyau unique de la couronne cinématographique, puisqu’à la fois contrefaçon et néanmoins totalement authentique. Bon, comme vous allez pouvoir le constater par la suite, j’exagère en utilisant joyau, alors rectifiant tout de suite en qualifiant le deuxième long-métrage de Yann Moix de pierre précieuse mal dégrossie.

            On commence tout de suite par ce qui fâche, c'est-à-dire le scénario. Sans être totalement dénué d’intérêt, ce dernier comporte malheureusement plus de lacunes que de véritables trouvailles. Si l’idée de base de pouvoir voyager dans le cinéma au sein même des films est évidemment plus qu’attrayante, Yann Moix ne fait finalement que pousser à l’extrême l’idée lancée par Buster Keaton dans son Sherlock Junior de 1924 où un projectionniste s’endort et se retrouve plongé dans un film. Pour Cinéman, le réalisateur de Podium a décidé de s’éloigner de l’onirisme du film de Keaton et a donc du trouver un moyen de rendre ça tangible et réel. Oh, mon dieu, que ce passe-t-il ? Tout le studio tremble ! Et oui, ce sont les licences scénaristiques qui arrivent avec leurs gros sabots. Pour rentrer dans le film, Régis Deloux doit embrasser une broche qui est on ne sait comment sortie de la diégèse cinématographique pour atterrir dans le monde réel. Mieux, pour revenir dans le monde réel, Régis doit simplement être mouillé. Pourquoi, comment ? Mais bon, des ficelles scénaristiques similaires ont déjà été utilisées par le passé avec une efficacité et un succès certains (rappelez-vous Gremlins). Ce ne sont malheureusement que quelques des nombreuses failles d’un scénario à trous voir gouffres, gouffres que l’on parvient paradoxalement à enjamber aisément durant le film. Je crois que je peux voler. Autre point noir sur la face d’adolescent boutonneux de Cinéman, le casting. Si la de plus en plus convaincante Anne Marivin est remarquablement sous-exploitée, que dire en revanche de faire de Pierre Richard le gardien du temple cinématographique. Alors oui, André Bazin est indisponible depuis plus de cinquante ans et Godard aurait sans doute refusé, mais de là à choisir la Chèvre ? Dans un autre registre, hommage à Lucy Gordon qui est parti trop tôt et qui va sans doute le prouver avec encore plus de force début 2010 dans Gainsbourg (vie héroïque).

Et nous voilà maintenant arriver au nœud du problème puisqu’il est temps de parler de Franck Dubosc, interprète principal et humoriste. C’est bien dans cette dualité que repose tout le problème de Cinéman puisqu’il vous serra impossible d’apprécier le film en étant réfractaire à l’humour Dubosc, tout simplement puisque Régis Deloux n’est autre que le Franck Dubosc de la scène transposé dans un prof de mathématiques benêt. Si Franck Dubosc tient un minimum le personnage de Régis Deloux dans le monde réel du film, il redevient totalement le performer dès qu’il pénètre dans un film. Et c’est ici que tout ce joue puisque ceux exaspérer par les pitreries et facéties de Frankie passeront forcément à côté de l’indescriptible réussite de film, c’est-à-dire la déclaration d’amour de Yann Moix au cinéma. Certains réalisateurs murmurent à l’oreille des cinéphiles, d’autres (à l’instar de Michel Gondry) préfèrent écrire une lettre ouverte. Quand à Yann Moix, il a lui choisi d’hurler cet amour, de le chanter sur tous les toits, tous les tons et tous les genres. On passe donc des de chefs d’œuvre en chefs d’œuvre, sur une période allant des débuts du cinéma avec Méliès aux années soixante-dix de Kubrick et Scorsese en passant par l’âge d’or du muet et les classiques hollywoodiens du milieu d’un siècle de cinéma bien rempli. L’on est forcé de reconnaitre la maestria dont a fait preuve Moix pour recréer quasi parfaitement des monuments tels que Safety Last, qui constitue une magnifique séquence d’ouverture absolument bluffante, ou encore les plans revisités de L’aurore de Murnau. Si Yann Moix livre un film grand public, les références cinématographiques sont elles vraiment pointues, affutant un peu plus la lame à double tranchant servant au film pour se défendre mais également se suicider. Cinéman s’adresse en effet à un public qui ne connait sans doute pas le tiers des films visités par Régis Deloux, tiers qui est de plus le mieux réalisé et emporte définitivement le spectateur averti tout en laissant l’autre au bord de la route.

En conclusion, Cinéman est un film bourré de défauts mais qui parvient néanmoins à nous entraîner dans le monde merveilleux du septième art. Ne serait-ce cela que l’on appelle la magie du cinéma ?