Planète 51    by  Vincent

De Jorge Blanco

Avec  Vincent Cassel, Dimitri Rataud, Sara Martins

Tout est normal sur la Planète 51. Le ciel est bleu, les habitants sont vert pomme et les Cadillacs volent. Lem, un brave et courageux lycéen, vient de décrocher un emploi au planétarium. C’est à ce moment que Chuck, un astronaute terrien aussi malin qu’une huître, atterrit sur la Planète 51. Tout de suite, c’est la panique. Tout le monde pense qu’il s’agit d’une attaque des envahisseurs extra-terrestres. Les forces de l’ordre encadrent rapidement le périmètre. Chuck se retrouve alors coincé, sur la planète, alors qu’il doit rejoindre son vaisseau qui repart sur Terre dans 76h. Il va avoir besoin de l’aide de Lem, qui va devoir prendre son courage à deux mains et apprendre à faire des choix pour gagner le cœur de sa belle.

            Pour son premier essai dans la réalisation, Jorge Blanco s’attaque à un film d’animation, et c’est plutôt concluant. Je n’étais pas spécialement enthousiaste à l’idée de devoir affronter un énième film d’animation dans la veine de Shrek. Mais j’ai été agréablement surpris. D’une part, parce que le film se veut à la hauteur des grosses productions américaines, et d’autre part parce que l’humour et l’esthétisme n’en sont pas affectés. Sur le plan graphique, Planète 51 est très plaisant à voir. Pas de gros mirages à se mettre dans les yeux, mais la qualité est au rendez-vous. En tout cas, ce film place la barre au moins au même niveau qu’un Shrek. Le bouquet est assez haut en couleur, et l’image est bourrée d’une multitude de petits détails qui viennent s’ajouter à l’humour du film. A ce sujet, Planète 51 se veut meilleur que son rival vert américain. C’est moins gras et moins lourd que tout ce que l’on a l’habitude de voir. Enfin, on en finit avec les concours de pets et de rots à répétition et toute cette clique qui ne fait rire que nos confrères outre-Atlantique. Ici, c’est plus subtil, plus « européen » si on peut dire. On joue plus sur le comique de situation et sur les références qui y sont incluses. D’ailleurs, en parlant de référence, le film fait la différence en multipliant les citations et les copies de scènes cultes des plus grands films de science-fiction. Depuis E.T., jusqu’à District 9, en passant par Star Wars et Invaders From Outer Space, le film ne cesse de nous faire rigoler.

Ceci nous amène tout naturellement au scénario signé Joe Stillman, déjà scénariste de Shrek et Shrek 2. Bref, vous l’aurez compris, personnages débiles et situations déjantés sont au rendez-vous dans cette histoire simple mais attachante, et tout cela pour notre plus grand plaisir.

            Bref, Planète 51 est donc un film tout gentillet qui fera rire petits et grands, mais qui reste quand même un peu trop sage et classique.

Sherlock Holmes     by Cyril

De Guy Ritchie

Avec Robert Downey Jr, Jude Law, Mark Strong

Le nouveau film du réalisateur de Snatch ou l’art délicat de combiner l’œuvre de sir Conan Doyle avec une production Joël Silver, ce qui donnait déjà  le vertige. Un businessman que l’on peut considérer aux cotés des frères Weinstein comme l’archétype du producteur boulimique au sens professionnel (60 films en 30 ans tout de même) mais également calorique. Ce lui qui a conduit les Die Hard, les Armes fatales et les Matrix et qui reste connu pour sa citation inspirée sur le plateau de Streets of fire en 1984 : « Je veux une explosion de la taille de Cleveland ». La ville bien sûr et non le sympathique  quoique gras voisin afro-américain de Peter Griffin. Un  meneur d’hommes certains donc, mais dont la présence au générique de ce Sherlock Holmes peut faire tiquer étant donner sa vision artistique que l’on peut légitimement considérer limitée.

Heureusement les 2h08 de bonne facture vont contrarier cette appréhension de départ car sans analyser les antécédents d’adaptation, énumérés avec talent par Etienne la semaine dernière, il est clair que le rapport direct avec la figure du détective flegmatique était dur à établir au premier abord.  Que nenni ! Après une première scène  qui fait peur (Ritchie semble avoir vu et aimer le Watchmen de Zack Snyder), le réalisateur anglais va aborder avec sérieux, rythme et parfois talent l’enquête qui conduit le tandem Holmes/Watson sur les traces de Lord Blackwood, un noble qui a troqué ses week-end chasse et croquet contre un manuel de magie noire. Les desseins du salopard étant, oh surprise, de conquérir le monde. Il ne faut donc pas compter sur l’originalité du scénario mais davantage sur des personnages savoureux car le couple Robert Downey Jr. / Jude Law est véritablement emballant. Servis par des dialogues mordants « so british », les deux acolytes ont l’air vraiment de s’éclater, ce qui a presque toujours pour conséquence un plaisir mutuel du spectateur. Superbe reconstitution également du Londres de 1891, complexifiée par le bouillonnement de la cité au moment de sa forte expansion industrielle, les rues sont superbement rendues et la multitude de courses poursuite est vécue vraiment de l’intérieur. Une visite touristique qui nous conduit même à Westminster ou sur le Tower Bridge en construction dans une ardente scène finale.

On pardonnera volontiers la présence un peu fade du méchant, le mal nommé Mark Strong, éclipsé par les personnages féminins. Kelly Reilly, la Wendy des Poupées Russes, oui et non celle de l’Auberge Espagnole car vous allez  vous en rendre compte la mutation est achevée. Et Rachel Mc Adams, ou serait-ce Kate Bosworth je ne sais plus très bien, actrice interchangeable mais néanmoins piquante dans le rôle de Irène Adler, la compagne de Holmes. Le gros reproche reste quand même le coté invulnérable du Sherlock, qui outre la permanente réplique qui tue, n’est finalement qu’un gros terminator, capable d’envoyer n’importe quel malabar au tapis, en diagnostiquant au préalable : les blessures administrées, la période de récupération de son amour-propre, le tout le corps huilé dans un agaçant slow-motion fragmenté (j’avance, je ralentis…), un effet vraiment tout pourri,  placé  sur l’autel de la mode mort-née.

Dommage, car ce Sherlock fera date, non pour son action, finalement un peu déjà vue, mais pour son autodérision. En effet durant le tournage, Robert Downey Jr. A véritablement été mis accidentellement KO par Robert Maillet, qui joue Dredger, 2m09, 149kg, ce qui a véritablement du lui enseigner la modestie. Un film donc largement au dessus du niveau du blockbuster moyen et dont la suite est déjà dans les tuyaux et avec des  armes nouvelles, et de poids. Car si la présence de Brad Pitt sur le tournage a été démentie dans le rôle de Moriarty, il semble bien qu’il s’agisse de la voix du comédien qui accompagne ce personnage de l’ombre. Et avec déjà 400 millions de dollars de recettes, Joël Silver peut encore  se frotter les mains, sa cuillère d’argent bien callée dans la bouche.

Lebanon   by Tsipy

De Samuel Maoz

Avec Yoav Donat, Itay Tiran, Oshiri Cohen

Un film fabuleux, époustouflant qu’il faut absolument voir pour sa prouesse technique mais aussi esthétique, Samuel Maoz, signe son premier film et reçoit le Lion d’Or au festival international de Venise, un réalisateur à surveiller et surtout à ne pas oublier.
Première guerre du Liban, 1982, un tank et son unité partent en reconnaissance dans une ville du Liban déjà « nettoyée » par les « oiseaux sauvages » israéliens. C’est maintenant à cette équipe nommée : Rhino, de vivre sa guerre. A bord de ce tank, quatre hommes, tous jeunes et inexpérimentés à vivre l’horreur qui les attend.

Samuel Maoz s’est inspiré de sa propre vie pour écrire et filmer Lebanon. C’est dans la vague de Valse avec Bachir, que les cinéastes israéliens commencent à exorciser cette guerre et cherchent à définir le nouveau citoyen d’Israël.

            La mise en scène, très subjective, enferme le spectateur dans ce tank. Pendant tout le récit, nous sommes dans ce véhicule, et l’on ressent l’angoisse des soldats grâce aux gros plans sur leurs yeux. C’est avec un huit clos très respecté, en effet, la caméra ne quitte pas l’intérieur du tank, que le réalisateur réussit à nous montrer sa guerre.  Un procédé efficace qui plonge le spectateur dans la claustrophobie et l’angoisse des personnages. Tout cela est très bien travaillé car si la guerre ne peut être esthétique, Samuel Maoz rend son film à la fois très esthétique mais à une certaine limite. Les seuls plans qui vont nous permettent de voir l’extérieur, sont vus à travers le viseur du tank, on adopte alors seulement le point de vue de ce soldat. Le réalisateur ne nous demande pas d’émettre de jugement et c’est en cela qu’il peut être désagréable, certains critiques français veulent absolument détenir le pouvoir de juger et donc de condamner. Mais il me semble, que c’est de là qu’il tire sa puissance, nous ne sommes pas des juges mais uniquement des spectateurs. Nous sommes parmi eux, un soldat qui ne saisit pas les enjeux, et contrairement aux autres nous sommes consentants, nous avons souhaité être là. Et c’est dans cette passivité et incompréhension générale que le réalisateur élève l’intrigue du récit et accroche le spectateur à son siège. Le leit motiv des gros plans sur les yeux est au départ un peu agaçant, mais Maoz instaure une symbolique à ces plans dans la dernière partie du film qui nous permet de mieux comprendre les personnages et le réalisateur. Seulement deux plans extérieur jour d’une beauté et d’une simplicité ouvrent et ferment le film. Si l’on peut voir dans ce champ de tournesol, un plan cliché, il peut à lui seul résumé le vécu de ces jeunes soldats, leurs lieux de naissance et de mort, l’absurdité de cette guerre.

La musique très archaïque est introduite lorsqu’il le faut, sans trop être présente, elle se confond dans le son, reflétant l’angoisse et la peur, elle n’est pas accompagnatrice, mais un moyen de rendre sonore le ressentit des personnages. Le son quant à lui est extrêmement travaillé. Lorsque la caméra peut paraître superficielle, dans le sens où elle reste fixe et garde une esthétique particulière, le son remet les choses dans leur contexte, plus rien n’est audible excepté le brouhaha du moteur, les cris des soldats, les tirs … Vice-versa, la caméra et le son se complètent sans donner de beauté à cette guerre, ils la rendent de façon juste visible et audible.

Les acteurs sont tous sans exception extraordinaires, un réel travail d’interprétation explose à l’écran. Tous israéliens, ils ont été des soldats, cette guerre, ils l’a connaissent sans l’avoir vécu, en effet la guerre du Liban de 1982 a été un traumatisme pour les soldats mais aussi pour les générations qui on suivi car elle a eu et a énormément de conséquences en Israël. Leur interprétation se limite aux expressions du visage mais surtout à leurs regards, tout est crédible voire plus que crédible. Leur façon de parler est entre le discours militaire et celui d’un adolescent, ils reflètent bien, même à leur apparence, le jeune soldat de 19 ans terrorisé et fataliste face à une guerre dont il ne comprend ni les tenants ni les aboutissants, que l’on a mis ici sans même lui expliquer le pourquoi et le comment. 

Si Lebanon ne plait pas c’est justement avec son aspect de film expérimental et la place qu’il prend pour représenter la guerre, très court (1h30mn), on en ressort angoissé, bouleversé… Maoz réussit à nous faire vivre ce qu’il a vécu et non pas la guerre dans sa totalité. Il me semble que Lebanon est loin d’être un film prétentieux, sans rien imaginer, inventer ou recréer, il met en image sa propre guerre, celle qui a duré 24 heures mais qu’il n’a jamais vraiment quitté.

Depuis quelques années, une vague de jeunes cinéastes israéliens, première génération à être née en Israël, fait son apparition pour mettre en art l’Histoire de leur pays, et plus particulièrement la première guerre du Liban, et ne trouvent aucuns des procédés classiques pour mettre en image justement leurs histoires, ils n’ont qu’une solution : inventer un genre.