Liberté    by Cyril

De Tony Gatlif

Avec Marc Lavoine, Marie Josée Croze, James Thiérée

Au sein d'une actualité ultra-chargée, un peu plombée par les nouveaux films des superstars de l'ex-nouvel Hollywood Scorsese et Polanski, émerge la nouveau œuvre du gitan buriné, Tony Gatlif. Dans un nouvel exercice pour lui, pour lequel il s'est de nouveau mis à l'épreuve puisqu'il signe un premier film historique, sobrement intitulé Liberté et qui a pour contexte des conséquences précises de la déjà-ultra visité-deuxième guerre en France, précédant en cela le-déjà-regrettable, je retiens mon venin sur celui-ci, chaque chose en son temps, La Rafle. Un sujet qui peut prêter au bégaiement donc étant donné la forte production passée et donc présente qu'il a suscité.

Mais le Gatlif compositeur a l'oreille musicale et c'est d'avantage une baffe aux canons moralisateurs recasés qu'il administre en évoquant un fragment d'Histoire pas seulement oublié mais surtout totalement ignoré.

Le film de Gatlif s'installe dans la campagne française dite « libre » de 1942, alors que l'état français de Vichy tente de faire respecter sa nouvelle législation et notamment sa difficile application sur le peuple gitan qui se retrouve au milieu d'une guerre à laquelle ils n'ont jamais pris part mais dont ils vont être les victimes collatérales. La principale loi à laquelle est tenue la population est l'adresse fixe qu'elle doit délivrer aux autorités afin de pouvoir être localisée rapidement. Gatlif par son origine apparaît le témoin idéal pour raconter ces pérégrinations contrariées, révélateur d'un besoin de vivre supérieur, que le titre exutoire évoque. Le premier plan ainsi est sublime.

D'épais fils barbelés, rappelant les camps nazis, sont agités hors champ alors que des notes, tristement accordées au mouvement, murmure la plainte de la séquestration de leur auteur. Sublime. La suite nous entraine évidemment sur les routes. Il est question d'une fuite perpétuelle, d'un orphelin qui a quitter l'assistance sociale ,de survie, d'un couple de français résolu à ne pas accepter l'acharnement de la milice à enfermer ce clan dans les camps où s'entasse leur peuple. Et au milieu de ce tableau entendu, la bouillonnante vie du clan. Car la véritable valeur du film est d'avoir réussi à extraire cex moment de vie alors que les tziganes n'ont jamais construit de transmission à leur histoire, en effet ceux-ci brûlent tout ce qui appartient aux morts, par crainte du démon.

Une histoire similaire accompagne le récit de la mort de Django Reinhardt, à qui on avait brulé tout le travail qu'il avait commencé mais n'avait pu finir. Seul son statut de génie incontesté a permis de conserver le reste de ses affaires. On prend également connaissance de l'existence des fiches anthropométriques. De 1912 à 1969, la population tziganes était référencée, photos et écrits à l'appuie afin de connaître leur déplacement et leur activité. Un réglemente infecte, pas si lointain, dont on veut encore aujourd'hui nous offrir dans les narines les relents déplorables. Difficile de ne pas parler ainsi de film engagé! Le personnage symptomatique de James Thiérrée, Taloche, pourtant le seul acteur non rom du clan, éclabousse sa folie aux quatre coins du pays qu'il habite.

Quand il pénètre dans la maison cossue des français, il ouvre les robinets pour libérer l'eau qu'il voit prisonnière, une obsession de l'indépendance qui finit tragiquement. James Thiérrée, petit fils de Charly Chaplin dont il est possible de remarquer l'affiliation, d'ailleurs le personnage de Charlot n'est pas loin de ce caractère extravagant et foncièrement libre. Fatalement les deux français ont l'air totalement étrangers à l'action, leur courage ne révélant rien d'autre qu'une passivité muée en héroïsme par une culpabilité un peu bête. Ce film finalement consolide Gatlif comme le cinéaste de l'anti-misérabilisme, celui de l'anti contre-plongée, un vrai faux documentariste. 

C'est donc un très beau film, avant tout sincère et avec un cœur énorme que nous offre Gatlif. Peut être pas son plus mémorable mais auquel on peut confier la valeur de témoignage d'un destin méconnu, souvent transmis par les bourreaux. Ce qui rend Liberté d'autant plus nécessaire.

Shutter Island    by Vincent

De Martin Scorsese

Avec Leonardo Dicaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley

En 1954, le marshal Teddy Daniels et son équipier Chuck Aule sont envoyés enquêter sur l’île de Shutter Island, dans un hôpital psychiatrique où sont internés de dangereux criminels. L’une des patientes, Rachel Solando, a mystérieusement disparue. Le seul indice retrouvé dans se cellule est une feuille de papier sur laquelle est inscrite une suite de chiffres et de lettres, sans signification apparente. Daniels va alors tenter d’éclaircir les agissements étranges perpétrés sur l’île, mais il va également devoir faire face à ses démons…

            D’abord annoncé pour début octobre 2009 au cinéma, puis repoussé jusqu’en février 2010, alors que sa production s’est achevée en 2008, le petit dernier de la famille Scorsese montre enfin le bout de son nez. Et c’est avec impatience que l’on attendait le retour du  fameux tandem Scorsese-DiCaprio, désormais culte depuis Aviator et Gangs of New-York. Et je dois dire que, pour ma part, je ne suis pas déçu.

Tout d’abord, il faut dire que l’affiche était plutôt alléchante, puisqu’elle proposait un casting particulièrement fournit. J’attaque peut-être un petit peu brutalement en rentrant aussi vite dans le vif du sujet, mais pendant qu’on en est au casting, autant y aller franchement. A commencer par le sieur DiCaprio, qui, une fois de plus, crève l’écran dans son rôle de marshal perturbé, torturé par un passé qui le rattrape… Malheureusement, je ne peux pas en dire plus, sous peine de vous infliger un terrible spoiler qui pourrait bien vous gâcher la séance. Enfin bref, tout ça pour dire que DiCaprio fait encore des merveilles (à mon sens) et qu’il n’est pas près de tomber dans l’oubli aussi facilement. Le reste du casting également apparaître 4 grands noms du cinéma, qui malheureusement sont assez méconnus du grand public. A commencer par Mark Ruffalo (Windtalkers, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Zodiac), qui interprète l’équipier de Leonardo DiCaprio. On retrouve également Ben Kingsley (Suspect Zero et Oliver Twist) et Max von Sydow (Minority Report, L'exorciste, Le Scaphandre et le Papillon, Un homme et son chien) dans des rôles de psychiatres troublants, enfin, la touche féminine du film avec Michelle Williams (Brokeback Mountain) dans le rôle de la défunte femme du marshal Daniels.

            Venons-en au scénario. Ce dernier est adapté d’un roman de Dennis Lehane, qui a déjà vu 2 de ses œuvres adaptés sur  grand écran : Gone Baby Gone et Mystic River. Certes, dans Shutter Island, il n’y a pas de quoi tomber par terre. Rien d’innovant, rien d’original. Mais il faut quand même avouer que le film de Scorsese a de quoi vous retourner la tête un certain nombre de fois. Les personnages sont très travaillés, ambigus, voire carrément décalées par moments, mais, après tout, on en dans le monde de la psychiatrie ! Bref, l’ambiance est au rendez-vous, et certaines scènes sont tout simplement exceptionnelles tant l’ambiance est malsaine. De plus, les décors offrent un aperçu extrêmement réaliste du milieu carcéral en hôpital psychiatrique, au milieu des années 50. Pour info, le film a été tourné dans un véritable hôpital désaffecté du Massachussetts.

Pour ce qui est de la mise en scène, j’ai trouvé cela très intéressant. Scorsese a parfaitement su la mettre en adéquation avec le scénario. Seul hic, les effets spéciaux traités en images de synthèses qui se distinguent très nettement à l’écran et qui mettent en évidence l’utilisation des fonds verts par moments.

            En somme, je vous conseille vivement d’aller voir Shutter Island sur grand écran. En attendant le prochain Scorsese, celui cale aisément la dent creuse (même s’il ne s’agit pas du meilleur de sa filmographie, loin de là). Mes avis qu’une prochaine coopération entre le réalisateur et l’acteur ne devrait pas tarder…

A Single man    by Rémi

De Tom Ford

Avec Colin Firth, Julianne Moore, Nicolas Hoult

            Si elle n’est pas forcément connue du grand public, la relation entre la mode et le cinéma existe bel et bien et autrement que part l’entremise de couturiers célèbres créant les costumes pour une œuvre cinématographique. En effet, cette relation est beaucoup plus profonde, à vrai dire elle l’est pratiquement autant que celle entre publicité et cinéma, la mode passant régulièrement par ce médium particulier tout en piochant dans le réservoir cinématographique, en l’occurrence tout un panel de réalisateurs allant de l’illustre inconnu au vieux routard du métier. Bien que la plupart des grandes maisons aient choisi de promouvoir leur ligne cosmétique plus que leur ligne prêt-à-non-porter-a-moins-que-vous-sortiez-des-camps, certaines d’entre elle ont en revanche prolongé cette étroite collaboration avec le cinéma, allant jusqu'à financé des courts-métrages dans lesquels n’apparaissent de ce fait que leur griffe. Posons maintenant un postulat de départ simple mais pourtant non évident : la haute-couture fait partie de la grande famille des arts, peut-être pas au même titre que le cinéma, mais quand même. Ainsi, quand Tom Ford, styliste et créateur de mode, passe derrière la caméra pour un long métrage, devons-nous redouter que naisse de cette incestueuse relation un rejeton pas tout-à-fait fini voir même carrément monstrueux ? Et bien sachez qu’il faut savoir s’alarmer plutôt deux fois qu’une tant le bien né A Single Man est un ramassis d’immondices et préfigure pour Tom Ford une filmographie avec a single movie, ou tout de moins je l’espère.

            Que dire face à une telle débauche d’incompétences, face à un tel festival de nullités alors que les trois quarts de la presse spécialisé soutient le film ? Aurais-je était le seul à voir que Tom Ford est un écolier brouillon dont les leçons trop vite et trop mal apprises font de son récital une rédaction d’une heure quarante sans la moindre idée et où trois pauvres figures de styles répétées à outrance ne font que rendre encore moins digeste ce sombre navet qu’est A Single Man ? Et bien tant pis, s’il n’en reste qu’un, je serais celui-là. Premièrement parce que récompensé Colin Firth qui prolonge ici son coming out entrevue dans Mamma Mia !, c’est avant tout de la politique, c’est donner un os à ronger au chien avant qu’il vous bouffe. J’ai beau apprécié Colin Firth, le pousser à persévérer dans des rôles aussi plats est juste condamnable. Et j’entends déjà les cris de la meute venant me chercher. Mais voyons, ce professeur d’université bien sous tout rapport ayant perdu son compagnon il y huit mois n’a pas de profondeur. Cette dernière n’est qu’un trompe-l’œil peint sur la surface lisse et plane qu’est réellement le personnage de George Falconer. Fade à en pleurer, il fallait forcément que ce dernier soit homosexuel, histoire de bien rajouter un nœud dramatique, mais vous savez, un de ces nœuds de magicien. On souffle et hop, y’a plus de nœud. Je ne m’étendrais pas plus sur les acteurs, hormis peut-être la performance pitoyable de Julianne Moore qui joue faux de bout en bout et le plaisir que j’ai eu de voir Lee Pace, ce dernier tenant à peu près ces 20 secondes face caméra. Il en effet désormais d’attaquer le nœud du problème, en l’occurrence Tom Ford, et croyez-moi, cette fois-ci souffler dessus ne suffira pas à le faire disparaitre. La mise en scène est inexistante ou outrageusement voyante, pour la simple et bonne raison que Ford possède une iconographie de publiciste (rapport avec l’introduction). On a donc droit à des scènes bien ralenties, bien dramatisées à grand renforts de musique classique (souvent en totale inadéquation avec l’image) et l’on s’imagine ainsi voir débarquer en bas de l’écran un logo de parfum toute les cinq minutes. Ce cher Ford est tellement soumis aux lois de la pub qu’il va même jusqu’à faire du playboy Levi’s (jean slim, petit t-shirt blanc, cigarette) la représentation absolue du désir homosexuel, du fantasme parfait. Si nous avons donc d’un côté l’écœurant Tom le styliste, de l’autre c’est Tommy le simplet qui est aux manettes, ce dernier ne nous épargnant rien, de la scène « comique » dans les toilettes aux plans d’horloges récurrents et inutiles. Enfin, une petite ligne sur le scénario qui n’est pas en reste (totalement réécrit par Tom Ford), avec par exemple des dialogues existentialistes qui frôlent la philosophie de sous-sol et une fin, mais alors une fin absolument scandaleuse, ce qui soit-dit en passant, est ainsi raccord avec le début, et puis aussi le milieu tant qu’à faire.

            Voilà, le facétieux trublion que je suis aurait sans doute put résumer le premier film de Tom Ford en disant qu’il était Gucci-gucca. Mais je préfère vous dire que ce film, récompensé à la Mostra du Queer Lion (prix décerné par un jury parallèle au meilleur film traitant de l'homosexualité) m’a tout de même laissé une phrase. George Falconer, dans un grand moment lyrique, nous confie qu’il aime ces moments de lucidité où tout est juste, où tout est clair. Je regrette sincèrement de ne pas avoir vécu un de ces moments quand j’achetais ma place.

La princesse et la grenouille     by Vincent

De Ron Clements, John Musker

Avec  China Moses, Liane Foly, Anthony Kavahagh

Le Prince Naveen de Maldonia est transformé en grenouille par le Dr. Facilier, un terrifiant magicien vaudou. Afin de retrouver sa forme humaine à l'aide d'un baiser, Naveen décide de trouver une princesse et tombe sur Tiana, qui n'est en fait qu'une jeune serveuse.

Cette erreur de la part du prince Naveen fait que le baiser a pour seul effet de transformer Tiana en grenouille. Tous les deux décident donc de partir dans les marais de la Louisiane à la recherche de Mama Odie, grande prêtresse vaudou aveugle de 197 ans, qui est la seule à pouvoir briser le sort. Dans cette aventure ils seront aidés par Louis, un alligator trompettiste ainsi que par Ray, une luciole désespérément romantique et folle d'amour pour une certaine Evangeline.

Je suis heureux, très heureux, car les studios Disney ont enfin retrouvé leur âme d’antan. Depuis combien d’années n’avions nous pas eu un bon dessin animé 2D sorti tout droit des studios de Mickey ? Je pense que l’on peut remonter au moins à Mulan, ce qui fait plus de dix ans. Dans La Princesse et la Grenouille, les studios Disney se sont attaqués à très vieux conte de la mythologie slave : La Princesse Grenouille. Après quelques modifications pour adapter ce fabuleux conte à leur sauce, les créateurs nous apportent une magnifique histoire comme on les aime. Autant dire que ce film procurera autant de plaisir aux grands qu’aux petits. Cette aventure riche en couleurs nous entraine dans un contexte historique, puisque l’histoire prend place dans un célèbre quartier français de la Nouvelle-Orléans, à l’époque des « années folles ». Sur une musique très jazz, les créateurs nous entraînent dans une aventure qui soulèvent une multitude de thèmes encore inexploités par les studios Disney. A commencer par la première apparition d’une princesse noire, la seule qui n’avait encore jamais eu droit à sa part du chapitre dans la mythologie des studios de notre ami Walt. Attention à ce qui aurait le malheur de dire que ce film est inspiré de la récente nomination de Barack Obama à la présidence des Etats-Unis, puisque le projet de La Princesse et la Grenouille a débuté il y a 4 ans, donc bien avant les élections américaines. Les studios Disney se sont également penchés sur un nouveau thème de la magie : le vodou. Tout en gardant des thèmes « traditionnels » de la mythologie de Mickey (amour, amitié, etc…), ce film met en avant la musique et appelle le spectateur à une vie équilibrée entre le travail et l’amusement. Bref, un beau message de « comment réussir sa vie ».

Si vous ne l’avez pas vu, ou si vous craignez de perdre votre temps et votre argent pour un dessin animé, laissez-moi vous dire que ce film est une vraie réussite et qu’il mérite d’être vu, histoire de redorer le blason Mickey qui avait perdu son bel éclat depuis plus d’une décennie.

A Serious Man     by Cyril

De Joel et Ethan Cohen

Avec Michael Stuhlbarg, Sari Lennick, Richard Kind, Adam Arkin

 Si on devait chercher actuellement réalisateurs plus prolifiques encore que le vieux Clint, on pourrait légitimement se tourner vers ces diables de Coen qui, après une très dense doublette en 2008 composée de No County For Old Men et Burn After Reading, enchaînent avec A Serious man dans un genre encore différent, un genre qui reste encore à cerner, je préviens.

Mais contrairement à l’ex-blondin ratatiné ce ne sera pas pour diriger aux frangins suractifs un doigt accusateur mais plutôt pour apprécier l’honneur qu’ils nous font de gratter nos têtes de cinéphiles aux certitudes une nouvelle fois ébranlées. Mais qui est donc cet homme sérieux, juché en haut d’une toiture, ce bien portant à l’allure gauche que nous montre l’affiche du film et surtout que regarde t-il ? L’homme sérieux est confortablement installé dans la banlieue du Minneapolis de 1967. L’homme sérieux poursuit avec succès sa carrière d’enseignant scientifique dans l’espoir d’une titularisation imminente. L’homme sérieux a construit paisiblement un foyer familial à l’abri du besoin. Mais surtout Larry Gopnik est un juif ordinaire du mid-west fréquentant assidûment sa synagogue et s’apprêtant à célébrer la bar-mitsvah du petit Danny. Danny étant, à 13 ans, un fumeur de marijuana très débrouillard.

Car oui ce tableau idyllique  initial a un hic et de taille. En guise de prologue nous assistons à l’évocation d’un conte yiddish totalement dépourvu de liens avec le Minnesota  et l’histoire qui va suivre. Un conte absurde où le fantastique se mêle à l’inanité la plus totale. Dans la Pologne du XIXe siècle un vieillard prétendument mort depuis plusieurs années rend visite à un couple dont l’épouse n’entend pas accueillir le démon (dybbouk). Frappé en plein cœur, celui-ci s’en retourne, n’accablant pas plus que ça sa meurtrière, il disparait par la porte laissant le mystère de sa présence total.

Si ce prologue ne renseigne en rien, il possède en tout cas le don de donner le ton. Car oui, le monde de Larry est promis à la ruine pièce par pièce et c’est avec un plaisir délectable et un féroce 1^er degré que nous assistons à la destruction des certitudes de Larry. Car au travers du divorce réclamé par sa femme, des menaces  d’un étudiant coréen qui tente de l’acheter, d’une famille qui perd la boule, Larry cherche ses réponses dans les signes que pourrait lui donner son dieu,  son univers perd toute logique. Dans la bande-annonce qui était déjà un petit chef-d’œuvre, le veuf qui se tape sa femme et lui impose ses conditions de divorce, tente de le raisonner dans un de ses rêves. Mais Larry est perdu, ses seules pensées le portent vers sa bombe sexuelle de voisine.

La force du film est son humour mêlant cynisme et désenchantement. Dans cet univers aseptisé, les rabbins, les rabbins, porteurs de conseils, ne feront successivement qu’épaissir le mystère de Larry. A noter une hilarante scène de dentiste examinant un goy et révélant un message en yiddish à l’intérieur de ses quenottes. Aucune aide palpable dans ce récit longué, rythmé par la guitare stridente de Hendrix, un pur moment de comédie au milieu du chaos.

Vous l’aurez compris difficile de parler de véritable propos mais plus d’une ambiance hantée par la présence de la mort et son inévitable croche patte imbécile. On est finalement pas si loin de la mythologie de Mc Carthy couplé à la misère du Dude.

Au final cette nage entre comédie et thriller, aux racines profondément personnelles, intimement et culturellement, enrobe le film d’une noirceur indéfinissable. Cette recherche constante d’une narration nouvelle sert parfaitement l’humour noir terrible du film toujours accompagnée d’une inquiétude constante. Car même écrasé par des siècles de tradition, Larry doit se rendre à l’évidence, il ne contrôle rien.  Il n’est que la contradiction inutilement acharnée du proverbe yiddish qui ouvre le film et que vérifie le dybbouk. « Reçois avec simplicité tout ce qu’il t’arrive. »

City Island   by Tsipy

De Raymond de Felitta

Avec Andy Garcia, Julianna Margulies, Steven Strait

Vince Rizzo est gardien de prison ou plutôt agent pénitencier. Marié depuis 20 années, il éprouve toujours le même amour pour sa femme que le premier jour, Père de deux enfants, son aînée est étudiante en première année et son fils encore au lycée. Tout peut paraître très normal dans cette famille, mais elle a quelque chose de particulier, tout n’est que mensonge. Personne ne se dit la vérité. Pour commencer, ils fument tous en cachette, chaque matin, tout le monde fuit pour aller griller sa première clope ; le fils sur le toit, le père dans la salle de bain, la mère sur la terrasse et la fille dans le jardin. Mais si cela s’arrêtait à cela :

La fille s’est vue supprimer sa bourse, de peur de l’annoncer à ses parents, elle finance ses études en étant stripteaseuse. Le fils fantasme sur les obèses jusqu’à en épier sa voisine.  Quant à Vince, il préfère faire croire à sa femme, qu’il va jouer au poker plutôt que lui dire qu’il suit des cours de comédie. Bien sûr sa femme pense qu’il a une maîtresse mais préfère faire semblant de ne pas le voir.

Les repas sont catastrophiques, si ce n’est pas les enfants qui s’insultent, c’est au tour des parents de se dénigrer.

Alors que Vince fait l’appel du soir à la prison, il reconnaît le fils qu’il a abandonné lorsqu’il était jeune. Seule solution de le sortir, une personne de sa famille doit l’héberger. Tony débarque alors dans la famille sans que personne sache qui il est ni même lui. Tout d’abord en tant que spectateur, il finit par se faire une place et découvre les secrets de chacun. Le but de tous, préserver son secret, il faudra le révéler mais le plus tard possible.

Tout le film est un aller-retour entre New-York et la petite ville, d’une façon très rythmé, le réalisateur fait avancer le récit avec des plans simples. Jamais, il va se rapprocher trop près des visages des acteurs, une certaine pudeur est présente et on l’apprécie.

Les acteurs sont tous exceptionnels, la performance d’Andy Garcia est juste et attachante. Tous les acteurs arrivent à nous faire rire et à nous émouvoir dans la même scène, il est pourtant pas facile d’incarner les personnages atypiques du film. À souligné l’interprétation d’Emily Mortimer qui est époustouflante. Un peu dans la veine des comédies sociales (Juno), ce film est sans prétention, il peint une famille enfermée dans ses secrets et l’on peut se retrouver dans certains des secrets.

Un film très court : 1H40, très rythmé et très agréable où l’on ne s’ennuie pas. Raymond De Felitta signe ici sa première réalisation et le fait de façon très bien, une explosion d’émotion inattendue a lieu.

Je regrette notamment les derniers plans où Dieu s’immisce dans l’histoire, nous sommes bien en Amérique et il est dommage que Dieu s’incruste dans cette famille, là où à mon avis il n’avait rien à faire. 

In the Air   by Rémi

De Jason Reitman

Avec George Clooney, Anna Kendrick, Jason Bateman, Vera Farminga, Zach Galifianakis, J.K Simmons

            J’aime bien les intuitions. Pour moi, elles sont rarement trompeuses et je peux ainsi souvent me fier à ce sixième sens cinématographique pour éviter de tomber dans les pièges de la médiocrité. Seulement, écouter son intuition peut parfois être plus difficile et il faut des fois l’aide du film lui-même pour vous prévenir du danger. En effet, j’ai beau adorer Tony Scott, j’ai volontairement esquivé L’attaque du métro 123, intuition salvatrice qui m’a surement permis de conserver ce réalisateur dans mon estime. Fort d’un précédent aussi exceptionnel que l’était Juno, il était certain que j’irais voir le prochain film de Jason Reitman les yeux fermés mais également l’oreille sourde à cette petite voix qui avait commencé à se faire entendre depuis quelques temps, répétant inlassablement : « Ca sent un petit peu la merde. » Il est triste d’avouer qu’encore une fois, elle ne s’était pas trompée. Sans être une immonde bouse, il faut admettre qu’In The Air marquera la carrière du fils d’Ivan Reitman comme un décollage raté dans le monde des grosses productions.

            Il existe plusieurs raisons à cet échec. La première se situe dans le scénario, puisqu’il se construit en s’éloignant de plus en plus de son très intéressant sujet de fond (à savoir l’importance du travail dans la société actuelle et le désarroi provoqué par un licenciement, surtout quand ce dernier semble annihiler l’humanité de la personne concernée) pour se centrer sur son personnage principal, qui s’il est plutôt sympathique au demeurant, présente une psychologie aussi opaque qu’une plaque de plexiglas. Personnage sans surprise, Ryan Bingham est également sans saveur car interprété par un George Clooney de plus en plus cabot (ce qui reste regrettable pour un acteur qui a du chien). On a donc la désagréable impression d’avoir assisté à une célèbre pub dans une version de deux heures, et croyez-moi le café laisse finalement un goût plutôt amer. Le film constitue d’ailleurs une véritable publicité de deux heures, mais pour les compagnies Hilton, Hertz et surtout American Airlines, dont le partenariat a permis à Jason Reitman d’obtenir les autorisations de tournage dans les aéroports. Le placement produit l’emporte ainsi sur les acteurs, qui sont malheureusement tous abonnés à des rôles hyper-caricaturaux, en particulier Jason Bateman dans le tout petit costume du patron déconneur et incompétent. Les deux principaux rôles féminins n’arrangent rien, en particulier celui interprété par Anna Kendrick, sorte de peste arriviste mais sympa quand même.

            N’y aurait-il donc rien à sauver ? Si, et même le principal puisque malgré une histoire en bois, le réalisateur nous livre une mise en scène punchy et efficace, tout en sachant se laisser aller à la contemplation dans les moments plus posées. Le générique représente d’ailleurs de ce point de vue un vrai plaisir. En effet, ce dernier est constitué de splitscreens réussis de vues aériennes sur une musique funky, rendant ainsi ces images cool et plaisantes, chose que nous ne croyions plus possible depuis Yann Arthus-Bertrand. Dans le même ordre d’idée, la présence de plan hyper serrés et récurrent mettent parfaitement en avant ce cérémonial, ce rituel codifié de Ryan à chacun de ses voyages. Autre bon point, si l’humour est parfois franchement lourd (en particulier avec le personnage de Jason Bateman), il lui arrive de connaitre aussi des bons moments d’autodérision et d’absurde, en particulier la ridicule philosophie de sac-à-dos, philosophie tellement bidon que même son auteur finira par ne plus y croire, ce qui se voyait néanmoins comme le nez au milieu de la figure depuis trois bon quarts d’heure. Si Ryan traverse les Etats-Unis sans jamais véritablement se poser, In The Air reprend la même trajectoire, papillonnant de droite à gauche entre comédie absurde, comédie romantique et drame tout en survolant copieusement son sujet le plus pertinent, le licenciement économique. Les seules escales de Jason Reitman dans cette ville désolée sont pourtant remarquables, au confluent du documentaire et de la fiction, avec de vrais licenciés cherchant à comprendre ce qu’il leur arrive.

            En conclusion, je dois bien admettre que j’ai bien cru que mon intuition s’était cette fois-ci fourvoyée lorsque le film a débuté. Bonne musique, mise en scène inspirée, personnage atypique. Seulement voilà, In The Air est un long courrier qui explose en plein vol au-dessus des eaux troubles du mélo pour s’enfoncer dans le triangle des Bermudes de la comédie romantique à deux dollars. Malgré une dernière tentative de Jason Reitman de redresser l’appareil, c’est trop peu trop tard, comme dirait George Eddy. En bref et pour continuer à paraphraser la superstar des commentateurs sportifs, In The Air ressemble plus à un double-pas de grand-mère qu’à un shoot stratosphérique.

Blindés    by  Vincent

De Nimrod Antal

Avec  Matt Dillon, Colombus Short, Jean Reno

Après la mort de ses parents, Ty rentre d’Irak où il était soldat, pour s’occuper de son petit frère. Pour faire face aux factures, il accepte de travailler comme convoyeur de fonds pour la société qui employait son père. Au dernier jour d’essai, Ty se voit proposer par Cochrane, son chef d’équipe, de voler 42 millions de dollars qu’ils doivent bientôt transporter. Le plan est simple : pas d’armes, pas de victimes, pas de violence et aucune preuve…Toute l’équipe est dans le coup. D’abord réticent, Ty finit par accepter. Le jour J, le plan se déroule sans accros, jusqu’à ce qu’un imprévu fasse tout déraper…

S’il y a bien un film qu’il faut ABSOLUMENT éviter, c’est bien Blindés. Je vous avoue avoir grandement souffert lors de la projection. Mais avec un peu de recul, on peut faire passer cela pour une séance comique. Tout d’abord, il faut noter l’absence d’un grand héros du cinéma d’action, qui a une place particulière dans notre émission. Je veux bien sûr parler de l’incontournable Jason Statham…Mais ne soyez pas déçus, fans de Mr Cellule-grise, le film Blindés apporte largement son lot d’acteurs dépourvus de finesse. A commencer par le désormais célèbre Matt Dillon, qui n’a jamais rien fait d’autre que ce genre de rôles et qui semble à chaque fois plus mauvais que la fois précédente. Dans Blindés, il incarne le chef de l’équipe des convoyeurs de fonds. Bref, une interprétation minable pour un rôle creux. J’ai juste envie de dire : Bravo ! Mais si cela avait été le pire, le film aurait pu passer. Mais non ! Il a fallut qu’ils nous collent le grand Laurence Fishburne. L’homme qui n’a été capable de remplir correctement qu’un seul rôle dans toute sa carrière : celui de Morpheus dans Matrix (et encore, s’il avait été convaincant…). Et là, vous devez penser que j’en ai finit avec un casting décidemment pourri. Mais encore une fois, non ! C’était sans compter sur notre Jean Reno national, qui se révèle parfaitement inutile et quasi-muet (peut-être la seule bonne initiative du film. Afin de terminer cette vision d’horreur, ajoutez un Amaury Nolasco (Prison Break) inutile et fade au possible et Columbus Short dans le rôle principal, qui nous offre une profondeur de personnage aussi profond que le contenu d’une cuillère à café.

Mais j’en oublie de parler du film avec tout ça. Et me voilà face à un nouveau dilemme : le film. Qu’est-il possible d’en dire ? Rien. Absolument rien si ce n’est un scénario fade et stupide au possible. Passe encore l’idée d’un détournement de fond orchestré par une équipe de convoyeurs. Passe encore que l’un des convoyeurs se rebelle contre ses collègues pour des questions d’éthique. Mais que les 1h30 de film tourne autour d’un mec enfermé dans son propre camion pendant que les autres (qui veulent lui faire la peau) s’acharnent sur 2 pauvres charnières de portes, alors là non ! 

Enfin bref, Blindés est un film minable dont le niveau n’est même pas relevé par les décors (un hangar désaffecté, super original et esthétique…) et surtout pas par sa bande-son (on passera sur ce sujet). Avec des dialogues d’une profondeur extrême et dont la phrase la plus marquante est (accrochez-vous !) digne des grands philosophes : « Si vous pensez arriver en retard, arrivez en avance ». C’est dans le film, c’est véridique. Un film nul à l’image de la nullité de son réalisateur qui nous promet encore un chef-d’œuvre cette année avec la réalisation de Predators dans le courant de l’année.

Mr. Nobody  by Etienne

De Jaco Von Dormael

Avec Jared Leto, Sarah Polley, Diane Kruger, Rhys Ifans

Six mois de tournage, un budget de 33 millions d’euros, un an de montage et une sortie sans cesse repoussée, la réputation du dernier film de Jaco Van Dormael le précédait de beaucoup. Un film dont la production est un événement en soi puisque le film compte parmi les plus importants projets cinématographiques mis en place en Europe depuis des années.

Un film international : français, britannique, belge, et canadien.

Un film qui pousse encore Jared Leto à jouer les caméléons, lui qui affectionne les défis dramatiques comme il l’avait déjà prouvé dans Chapitre 27 (film sur Mark Chapman, l’assassin de John Lenon). Un comédien alternant toujours entre cinéma indépendant et grosses machines hollywoodiennes et pour qui Mr. Nobody constituera sans doute l’une de pierres angulaires de sa filmographie.

En 2092, un centenaire du nom de Nobody (Jared Leto) se trouve être le dernier mortel sur Terre. Au terme de son existence, l'homme raconte sa vie mouvementée à un journaliste en quête de réponses. Mais le récit de Nobody ne cesse de se contredire en partant de la séparation entre ses parents ? Un enfant sur le quai d'une gare. Le train va partir. Doit-il monter avec sa mère ou rester avec son père ? Une multitude de vies possibles découlent de ce choix. Tant qu'il n'a pas choisi, tout reste possible. Toutes les vies méritent d'être vécues. De hasards en rencontres, le destin de Nobody devient de plus en plus nébuleux. 

Plonger dans Mr. Nobody, c’est explorer la vie, des vies, celles de Nemo Nobody, l’homme sans identité, le Monsieur Tout-le-Monde devenu à 118 ans le doyen d’une humanité qui a trouvé la recette pour échapper à la mort et est ainsi devenu la bête de foire des journalistes, d'un monde qui retient son souffle pour mieux observer le dernier de ce Nobody.

Le parti pris de ce Mr. Nobody est celui de donner à voir la vie comme une gigantesque arborescence de possibilités, de rencontres, de choix. Les thématiques y sont multiples, tant  qu’elles finiraient presque par étouffer le récit sous une montagne d’idées et d’envies. Récit sur l’amour, la physique quantique, l’effet papillon, le temps, la mort, le scénario de Van Dormael est tout ça à la fois. Une sorte d’effet papillon poétique et lyrique.

Sans doute que le fait que la version que nous ayons ne rend pas justice et grâce au fourmillement artistique a l’œuvre de Jaco Von Dormael, (la version Director's Cut dure 3h).

Pourtant les récits filmiques sur les probabilités et le temps ne date pas d’hier, on se souvient de Cours Lola Cours de Tom Tykwer, Eternal Sunshine Of The Spotless Mind de Michel Gondry ou encore The Fountain de Darren Aronofsky. Mais Mr. Nobody est à voir comme une boite en carton dans laquelle Jaco Van Dormael aurait tassé le plus possible de choses. Un film parfois redondant et minutieux qui pourra rebuter plus d’un spectateur par sa forme étirée qui allonge un scénario où évidement l’action n’est pas le maitre mot.

La mise en scène et le montage de ce Mr. Nobody sont à la hauteur des sept ans de préparation, chaque plan paraît longuement mûri, pesé au maximum. Car aucune des vies de Nobody ne pourrait exister visuellement sans les autres, tant Van Dormael joue à trouver la transition la plus efficace, à briser les codes narratifs éclatant son récit sur un temps indéterminé, à utiliser sa caméra de manière la plus parlante possible.

Une démonstration théorique portée par des séquences splendides, un découpage millimétré.

Un film où les acteurs ont la part belle, une belle prestation de Jared Leto qui confirme tout le talent qu’il a, aussi crédible à 30 ans qu’à 120 ans. L’acteur qui joue son rôle adolescent est promis a un véritable et brillant avenir cinématographique tant sa performance éblouie !

Des seconds rôles investit tels que Rhys Ifans (Good Morning England), ou encore Sarah Polley.

Mister Nobody est un magma visuel et émotionnel, le film nous laisse avec l'étrange impression d'avoir visionné un film trop plein ou finalement trop vide. On y voit un poème filmique magnifique extrêmement inspiré mais aussi une coquille meublée d'un best of graphique résultant des dix dernières années de cinéma. Oscillant entre la simplicité d'une histoire d'amour et le grandiose d'une réflexion sur la création, Mr. Nobody n'est pas pour autant un film malade, plutôt une expérimentation audacieuse sur la narration. Quelle véritable interprétation est la bonne pour Mister Nobody ? Quelle voie choisir ? Comme le dit Nemo Nobody : elles sont toutes les bonnes. Et elle vous conseille ardemment d’aller apprécier ce film peut être rebutant par sa structure mais d’une telle réflexion philosophique sur la création et la vie que l’on est prêt a pardonner a Jaco les quelques longueurs ou les quelques absences scénaristiques qui ponctuent le récit ! Probablement encore que la version Director’s Cut sera nécessaire pour appréhender aux dimensions réelles la qualité de cette œuvre philosophique.