Le navet de l’été : Molard et Glaviau (The Touchables ; Les Ripouilles)

Sur ce fastueux nanar, dont la date de sortie se fera à l’improviste et d’une manière anonyme, mais néanmoins retentissante dans les milieux interlopes concernés, je ne tarirai pas les éloges dithyrambiques que j’octroie à ce chef-d’œuvre.

Cependant, pour des raisons évidentes de sécurité nationale, puisque le film relate des sujets classés  « confidentiel défense », je ne citerai que les noms d’emprunt ou les noms de scène de tous les protagonistes du film. Patrick Pénot et ses enquêtes de Monsieur X auront donc du grain à moudre à la rentrée. Ce préambule considéré, attachons nous à l’œuvre.

Molard et Glaviau

Réalisateurs : Nicolas Molard et Gautier Glaviot

Genre cinématographique : polar spaghetti

Le genre est une invention en soi : les deux réalisateurs nous présentent un film à sketches, qui mélange le polar urbain graisseux avec l’humour grotesque sous la forme d’ultras poncifs, pour une satire sociale larmoyante de désuétude et des images dignes d’un vieux roman photo, dont quelques feuillets ornent encore certaines latrines de fond de jardin. Cette œuvre s’inspire résolument du néo-polar ; le roman de la dénonciation ( celle du racisme, des inégalités sociales, des magouilles du pouvoir, du thème de l’ultra sécurité véhiculée par les médias). Le genre à été popularisé par d’illustres écrivains comme Jean Vautrin ou Didier Deaninckx.

La genèse du film

Le film est l’aboutissement de trois « home movies » cafardeux d’ennui dans lesquels les protagonistes faisaient la sieste entre deux tueries ; le tout étant filmé sur un fond de gueule de bois généralisé et poussé à l’extrême. Le génie récurrent des deux réalisateurs était pour cette occasion, de pouvoir se regarder faire la sieste et dans un élan de déprime glauque, de la faire pendant qu’il visionnait leur œuvre. Une telle transcendance de l’art cinématographique ne pouvait s’arrêter là. Les deux réalisateurs, Molard et Glaviau décidèrent de faire un film à partir de leur série télévisuelle.

Molard et glaviau : le film

Le pitch du film :

Paris, années 1980, à l'époque de la guerre des polices et des affaires troubles du pouvoir. Les deux inspecteurs de la Sûreté Nationale, Molard et Glaviau, enquêtent sur le meurtre de Mouïse, un dealer notoire qui fournissait Molard en cocaïne. La brigade des stups commencent à monter un dossier sur les relations de Molard avec le milieu de la drogue. L'indic de Molard soupçonne Glaviau, qui surveille de près l'enquête menée par les laborantins, maladroits au point de détruire toutes les preuves. Glaviau enterre l'affaire, mais le Commissaire divisionnaire Mattéi met la pression sur Molard qui, illuminé par un trait de cocaïne, comprend enfin la machination. Lui et le Commissaire tendent un piège à Glaviau en lui faisant croire que Judas, l'indic, connaît l'assassin. Ils se rendent dans la maison close que fréquente Judas. Glaviau, qui est parvenu à semer un instant ses collègues, l'élimine, de peur d'être découvert. Le lendemain, le Commissaire ordonne l'arrestation de Glaviau. Mais c'est alors que la brigade des stups informe le Commissaire de l'addiction de Molard à la drogue, et tandis que Wilkinson, un mercenaire qui travaille pour Mattéi, montre à ce dernier une photo qu'il possède de Glaviau le montrant en train de forniquer avec sa femme, Germaine. Les deux flics doivent alors partir en cavale, poursuivis par le commissaire cocufié en quête d’une terrible vengeance.

L’option du tournage :

Comment faire un chef-d’œuvre lorsque vous êtes complètement fauché ?. Vous faites un Nanar !. Examinons l’éthique : l’industrie cinématographique ne produit que trop rarement des navets intentionnels, capables de vous endormir au bout de trente secondes. Le créneau est donc porteur. Examinons le budget : il est égal à zéro Euro. Leur banquier est en prison pour cent cinquante ans, suite à une condamnation pour une légère escroquerie. Compte tenu de ces deux paramètres, les deux réalisateurs ont choisi l’option d’exécuter un navet intégral, volontaire et forcené dans les moyens et dans les techniques de réalisation. Savourons ce catalogue :

-                       La caméra  est une Baulieu à manivelle, prêtée par un musée.

-                       La pellicule en noir et blanc est constituée de chutes récupérées dans les poubelles de l’I.N.A.

-                       Le film sera colorisé en jaune délavé, façon pisse.

-                       Le montage se fera au ciseau, avec du scotch, en s’ingéniant à ce que les raccords soient bien visibles lors de la projection du film.

-                       Les décors sont à minima et brillent par leur indigence : un studio fatigué avec six mois de loyers impayés et quinze jours de vaisselle sale, une cave humide, deux annuaires et une machine à écrire mécanique Japy, un portrait du général De Gaulle. Le parc automobile est constitué d’un Vespacar de livraison, prêté par l’épicier du coin.

-                       Pour la prise de son, un dictaphone à cassette est utilisé. La synchro et la post-synchro sont aléatoires

Le scénario

Il est le fruit du hasard ; construit au gré des happenings et des errances quotidiennes des deux réalisateurs, bâti sur leurs mouvements d’humeur de l’instant et sur leur méforme systématique. L’ordre et la logique des scènes dans leur enchaînement restent un facteur négligeable, voire inconnu. La mise en scène défie toute filmographie ; vous ne verrez tout au long du film que des pieds, des têtes ou des troncs, mais jamais les trois en même temps, le champ de la caméra ne s’y prêtant pas. Les dialogues se réduisent à des onomatopées, à des bruits corporels incongrus ou au mieux, à des citations de l’almanach Vermot.

Les acteurs

Les acteurs ne sont pas payés. Le seul cachet notable offert par la production est une sucrette allouée a l’un des acteurs, car il est diabétique. Bien que les acteurs se connaissent tous entre eux, les réalisateurs ont intentionnellement réuni des gens qui se détestent cordialement, afin de rendre leur jeu le plus laborieux possible. D’une manière systématique, le jeu d’acteur relève du saut du lit au petit matin ou de la sortie d’une cellule de dégrisement. Ce n’est donc pas un film de copains. Les protagonistes du film sont nombreux, contrairement à ce que l’inexistence du budget le laisserait le supposer. La toponymie des personnages et imagée, mais ne concerne qu’une seule série de sociopathes.Citons quelques noms de personnages : Molard, Glaviau, commissaire Mattéi, Judas, Wilkinson, Le Bleu, Le Tigre, les deux laborantins, Mouïse, Néri. La faune est donc connotée au mitant. Vous ajouterez un patron de bar consensuel, quelques badauds de passages et quelques ivrognes, cuvant leur vin sur la voie publique, et vous aurez une distribution parfaite pour réaliser le navet parfait.

Que dire de cette œuvre en devenir ? Plus qu’une boutade, c’est sûrement un cas d’école dans un cours d’art cinématographique, non pas pour les erreurs à ne pas commettre lors de la réalisation d’un film, car aucun réalisateur ne ferait de telles bourdes si elles n’étaient pas intentionnelles, mais plutôt pour le privilège d’avoir un autre regard sur le cinéma. Attendons donc avec impatience la sortie de MOLARD et GLAVIAU.

Les soldes de Pâcques : Les  héros nous prennent pour des cloches

PRÉAMBULE

Les enterrements ont ceci de particulier ; ils se ressemblent tous ! .Au risque de pleurer pour la comédie, je prononce l’éloge funèbre du genre dont la dernière trouvaille remonte au temps de l’invention du fil à couper le beurre. Tout n’est que resucées qui ne se lassent pas de se ressasser. Et c’est bien le cas avec ‘LE MISSIONNAIRE’ et ‘ 17 ANS ENCORE’ .

LE MISSIONNAIRE

Réalisateur : Roger Delattre

Acteurs : Jean-Marie Bigard, David Straymaster

Genre cinématographique : farce rustique qui pue des pieds

L’humour dans cette œuvre frise les 70 ans d’age, tout comme l’age des spectateurs dans la salle, lorsque j’assistais à la projection du filam. Autant dire que ce mélange étrange de comique troupier et du petit monde de don Camillo est en adéquation avec l’âge et la culture populaire de son public, dans l’art de la farce grotesque de cloche merle. La balourdise des gags et des situations risibles au premier degré ont forcé mon admiration sur la capacité du réalisateur à accumuler les poncifs. Ils sont légions :

Vous avez droit au petit monde de Don Bigard, singeant le curé de campagne, façon Fernandel avec ses vieilles bigotes, ses crapauds de bénitier et qui veille au salut de leurs âmes et de la fin de leurs ennuis, Dieu étant absent puisque le personnage central du film n’a rien d’un pasteur. Les redondances issues de la réalisation de Julien Duvivier sont nombreuses, comme les confessions menées en bastonnades ou les résolutions simplistes des amours contrariés. Sauf que dans le missionnaire, l’humour n’est pas le descriptif d’un village plongé dans la modernité, si ce n’est celle datant d’il y a cinquante ans. Que dire encore de la confrontation d’un vrai curé avec son faux-semblant, copiant ainsi sans vergogne les scènes du ‘retour de Don Camillo’. Le havre de finesse relative que sont les œuvres de Carmine Gallone n’est pas comparable avec le comique rugueux et vulgaire que nous impose Roger Delattre.

- Entre autres resucées qui vous seront infligées, vous aurez droit au descriptif détaillé de l’univers d’une gendarmerie et des gendarmes ruraux dont  les seules occupations dans le film relève de la saoulerie et du passage à tabac en règle. On ri bien une minute, mais les scènes d’ivrognerie violente deviennent vite fastidieuses. La recette sempiternelle qui consiste à décrire un univers peuplé de crétins demeurés atteint, très vite dans ce film  sa limite comique.

Pour faire bonne mesure, le réalisateur vous sert quelques pastiches forcés issus du milieu de la grande truanderie, avec son parrain gâteux et soupe au lait, tout droit sorti d’un ‘milieu’ marseillais en carton-pâte ou ‘ritalien’ d’infortune.

Si la majeure partie des acteurs est lisse, même dans leur propre rôle, du fait qu’ils forcent à outrance leur personnage et en cela, ils n’apportent rien au comique de situation, la prestation de Jean-Marie Bigard dans son personnage de curé truand, se fourvoie dans la typologie du prêtre de hasard. Visiblement, il ne croit pas à son personnage de faux curé un seul instant et les hésitations feintes pour le rôle, sont véritablement celles de son jeu d’acteur.

Seul David Straymaster attitré dans le personnage du frère évêque du faux prêtre taulard, semble tirer son épingle du jeu. Avec un faux air à la Élie Kakou, il joue avec délices les affres d’un prêtre plongé dans la luxure et le crime organisé.

Le scénario qui n’a aucune originalité, sinon celle d’un saupoudrage issu d’autres œuvres de la comédie comique, tient cependant de la cohérence dans sa logique et l’on ne risque pas de  perdre des neurones en attendant le dénouement d’un film à la saveur d’un pain quelque peu rassit.

17 ANS ENCORE

Réalisateur : Burr Steers

Acteurs : Zac Efron, Matthew Perry

Genre cinématographique : American Pie à la naphtaline.

 Où l’on ressort les vieux costards des films américains sur l’adolescence, les relations père fille, père fils, de ces fabuleux collèges américains dotés de fastueux gymnases peuplés de surpuissants crétins de la baballe, le tout dans l’asepsie de valeurs convenues et puritaines qui dénoncent insidieusement le préservatif et la relation hors mariage et à côté duquel le pontificat de Benoît XVI, ressemble à un ministère ultra-progressiste.

Il s’agit bien d’une œuvre destinée à l’éducation des jeunes filles et le réalisateur a réussi sa gageure, si je considérais la horde pubère des spectatrices de ce film. 17 ans encore, ce n’était pas tout à fait l’age moyen de l’assistance qui aspirait visiblement aux émois de cet âge.

Pour ce qui se dégage de la comédie, nous avons bien les sucettes convenues des problèmes de l’adolescence, avec le papa qui ne comprend pas sa fille, qui ne comprend pas son fils, qui est forcément divorcé, qui est obligatoirement au chômage, et qui invariablement se réfugie dans la garçonnière d’un copain adorateur d’accessoires liés à l’Heroic Fantasy. Et tout ceci, pour faire reluire le lobby du grand enfant américain. Comme tout est de la faute du père, parce qu’il a préféré dans sa jeunesse sacrifier sa carrière à son amour, qu’il a engrossé accidentellement, Dieu, dans son infinie bonté de technicien de surface, lui redonne ses dix-sept ans. Et là !, les ennuis commencent pour le spectateur que je suis. Outre la lamentable palinodie des conflits des générations annoncées dans le film, où l’acteur ayant l’age de ses artères essaie en vain de résonner comme un quadragénaire, on vous sert toute la panoplie de l’infantilisme à l’Américaine. En prime, on vous farcit la tête avec la kyrielle de bons sentiments, sortis tout droit de l’imagerie Disneyenne d’après la lettre.

Mais le film présente d’autres défauts. Le scénario est longuet ; les scènes préliminaires traînent interminablement pendant vingt minutes avant que l’intrigue ne commence. Les scènes capitales sont curieusement courtes au profit de scènes anodines à l’humour banal, qui elles, perdurent dans un ennui sans fin. Ce scénario déséquilibré donne très vite l’impression d’une action qui se déroule lamentablement, au point de vous faire quitter votre fauteuil prématurément. Le tout est renforcé par le fait que l’acteur n’a plus l’âge du rôle. Hésitant, dans son jeu à singer intellectuellement un quadragénaire, il est mal à l’aise dans la peau d’un homme de vingt ans. Si le réalisateur voulait marquer la distanciation entre les personnages, il se serait aperçu que son personnage principal jouait à contre-emploi.

Au final, vous assisterez à une œuvre faite à la va-vite, avec des bouts de ficelles et singulièrement bâclée dans sa typologie de redites et de déjà-vu suranné. 

Vers une définition du navet

Ce mois-ci : Ces humoristes qui font des toiles qui ressemblent a des croûtes

Cinématographiques, s’entend !. La comédie n’est pas un genre mineur dans le cinéma. Une bonne comédie se distingue  par un scénario logique et cohérent, accompagné par des dialogues qui servent un comique de situation. L’humour peut être plus ou moins lourd à dessein ou à contrario plus ou moins fin, si l’on veut couvrir plusieurs degrés dans la comédie. La parodie et le burlesque ne peuvent se contenter de la facilité d’un jeu d’acteur ou de plan-séquence relevant de l’à peu près. De cet art difficile de nous faire rire, les humoristes de la scène sont-ils les plus qualifiés lorsqu’ils passent sur le grand écran ?. Peut s’en faut pour nos humoristes français, pour qui faire une œuvre cinématographique, relève d’une mode qui peut rapporter gros ; une gloire facile et des fins de mois juteuses. Sauf que les procédés de l’humour transcrit à l’image, ne sont pas les mêmes que ceux que l’on installe sur les planches. Le secret réside  sans doute dans l’appréciation de la distanciation du personnage par rapport à un espace qui passe de trois dimensions à deux. L’humoriste de cabaret joue avec le public et s’amuse de la salle. L’acteur au cinéma est seul devant la caméra et doit rendre de ce fait la totalité de son personnage. Si le comédien est seul sur la scène dans l’intériorité de son personnage, l’acteur au cinéma fait partie d’un tout et ne peut pas jouer seul. Et c’est hélas le gros défaut de ces gloires de la scène parisienne qui se contentent de se faire filmer dans des outrances de sketches, tournés en plans-séquences ou en tableaux, comme au théâtre. À l’écran, on ne voit qu’eux par ce qu’ils veulent que l’on ne voie qu’eux, comme sur les planches ; ego oblige !. Ce n’est pas suffisant pour faire un bon film. Si le miracle du cinéma est l’ubiquité de l’œuvre, celle-ci ne dialogue pas avec le public lorsqu’elle est projetée. L’interactivité réelle d’un spectacle de cinéma n’existe pas, sauf entre le public, pour peu que le film soit parfait.

Les promos du printemps ; les héros vendent de la gnognotte

COCO

 Réalisateur : Gad Elmaleh

Acteurs : Gad Elmaleh, Pascale Arbillot, Manu Payet, Jean Benguigui

Réalisé, scénarisé, écrit et mis en scène par Gad Elmaleh et pour Gad Elmaleh, le personnage n’a jamais été aussi bien servi que par lui-même et au risque d’être nourri que par un seul talent, l’œuvre n’a pas de talent si ce n’est que d’arracher une risette chez le spectateur que je suis et rien de plus.

Peut-on dire que cette œuvre décrit des travers communautaires ?. Oui, comme tant d’autres, si l’on considère qu’il faut bien un sujet et un thème pour faire une comédie et que le genre socioculturel est un prétexte facile à la saynète ; Si la majorité des acteurs sont juifs, l’humour, lui, ne l’est pas et se cantonne à l’accent « pieds-noirs » des protagonistes du film. Si ce n’est que quelques broutilles de la clichetterie sociale communautaire, tournées en des facéties qui feraient se lamenter Popeck, l’esbroufe du personnage, et de l’acteur ne prend pas, si le public ne participe pas. De cette systématisation du spectacle de planche porté  à l’écran, Gad Elmaleh a peut-être réalisé un coup de maître dans le cadre de la comédie dite « populaire ». Les chiffres des entrées le diront sûrement. De l’aveu du réalisateur, le succès du cabaret doit être le même qu’à l’image d’une œuvre cinématographique. Si l’instant à la réalisation est délicat, car le quitte ou double final de l’épreuve du public peut transformer un chef-d’œuvre en navet, l’idée de Gad Elmaleh d’adapter son humour au cinéma, si elle n’est pas nouvelle, reste intéressante. Pour se faire, il a mis tous les atouts de son côté. Dotés d’un budget colossal, les décors et les scènes de tournage sont à l’image de la mégalomanie du personnage de CoCo. Les plans faits par la caméra sont soignés. Si le scénario se tient dans son ensemble, on ne peut s’empêcher de sentir des trous dans le rythme du film. Les rares apartés dans le film, où le personnage principal n’apparaît pas, casse la respiration du film. Le jeu frénétique de l’acteur principal tranche sur la mollesse des seconds rôles. À ce titre, la typologie du film qui tourne au « one man show », oblige les autres acteurs à faire les potiches et les faire valoir sans reliefs.

Au risque du rire facile, vous verrez un film mono rôle, d’une faible épaisseur cinématographique et au sortir de la salle une fringale de voir autre chose.

OSS 117, RIO NE RÉPOND PLUS

Réalisateur : Michel Hazanavicius

Acteur : Jean Dujardin

Brice de Nice, où es-tu ?. Où est la belle époque où Jean Dujardin était encore frais, quand il croyait à la comédie pétillante, à la belle époque où il savait faire de l’humour acide et manier le burlesque aéré, et où les personnages sous un costume parodique avaient encore une dimension humaine ?.

Ce temps est terminé avec la dernière farce cinématographique commise par Michel Hazanavicius dans les aventures devenues palinodiques d’un oss 117 resuçé. Rio ne répond plus et mon cerveau non plus. Ce film réalisé pour des encéphalogrammes plats, ne dépasse pas le premier degré de l’humour potache. C’est encore un spectacle dit « populaire »  qui tourne au « show case » permanent du jeu monomaniaque d’un acteur à l’écran. Il n’est pas une scène où Jean Dujardin n’apparaît pas. Il ne partage rien et les seconds rôles sont autant de béquilles qui supporte un jeu d’acteur sans conviction réduit  à une suite ininterrompue de clins d’oeil sur son propre personnage dans une série télé bien connue. La thématique du film est basée sur une parodie balourde des univers cinématographiques de l’espionnage. Dans l’ordre et surtout dans le désordre du scénario, nous avons la parodie indigeste de James Bond, de OSS 117, Le Squale, avec en corollaire la contrefaçon de « Y a-t-il quelqu’un pour sauver le président ? ». Tout au moins, pouvait-on espérer une autre adaptation de San Antonio dans le meilleur des comiques troupiers. S’il est vrai que l ‘accumulation des gags à un rythme très rapide, ait pu me distraire pendant la première demi-heure du film, la redondance continue de ces mêmes sketches avec les mêmes personnages à savoir : les chinois perfides, les nazis grandiloquents, les traîtres américains, les pimbêches ingénues, rendent l’exercice de ce film, pénible à voir. Que dire de mon long ennui à la vue de cette singerie interminable ?. Que de constater la présence d’un scénario exclusivement construit sur des copié- collé pastichés des classiques du film d’espionnage. Que les personnages sont insipides dans leur humour, parce le jeu d’acteur est plat et que l’artifice central de la comédie tourne autour de leur dentition d’une blancheur éblouissante.

Encore une fois, la gnognotte à gros budget tient lieu de film à gros succès futurs au titre de la recette et peut-être au titre de l’anthologie des Nanars.  

Vers une définition du navet

Ce mois-ci : Une valeur sûre de la médiocrité cinématographique : Le Chinois Volant

La chine est aussi une grande nation pour ce qui est des films de course. Ils sont nombreux et ils s’exportent très bien. Le navet asiatique revêt plusieurs aspects.

Les choix thématiques s’orientent invariablement sur le patrimoine culturel, géographique, social et légendaire d’un autre temps de la chine ; celle d’avant le communisme. C’est obligatoirement un film d’action et de préférence une histoire où des armées pléthoriques se massacrent gaillardement. Les protagonistes de ces épopées sont tous des experts en arts martiaux aériens, mais pas aérés. Les acteurs virevoltent dans tous les coins et dans tous les sens, courent aux plafonds, volent sur les toits et gravissent les murs au pas de course, quand ils ne planent pas sur les montagnes, sabre au vent. Ils s’arment tous d’un rien pour combattre dans une gestuelle supersonique dont la grâce la dispute à la vélocité. Le héro chinois est résistant. Il prend et donne des coups sans souffrir et avec le sourire. La trilogie des protagonistes est toujours la même ; il y a le méchant, le juste et son apprenti. Le scénario tourne systématiquement à l’éternel thématique du combat du bien contre le mal, de la trahison contre la rédemption. Le pivot central est le respect de la parole donnée et du culte des ancêtres. Le navet chinois n’est pas sexiste ; les femmes ont autant de valeur que les hommes lorsqu’il s’agit de se battre, mais lorsqu’il s’agit de sexe ou de montrer le sang, ces œuvres sont singulièrement pudiques.

Parfois le réalisateur n’est pas natif de HongKong, il se peut qu’il soit Américain. Il s’agit alors d’un navet américain, à la sauce chinoise, et cela afin de pimenter la vie des adolescents déçus par Walt Disney. Les décors s’apparentent souvent à du carton-pâte ou à de l’image de synthèse et les cascades les plus élaborées ne sont pas des goinfres budgétivores. Ces productions peu onéreuses en matière grise et en coût de main-d’œuvre peuvent rapporter beaucoup. Certains acteurs phares du cinéma asiatique, comme Jacky Chang ou Jet Li, n’hésitent pas de mettre la main à la caisse pour figurer au casting. On dit alors qu’ils sont en vacances. Mais j’arrête de médire sur le navet chinois et je vais aller me consoler en allant voir dès sa sortie, Les seigneurs de la guerre de Peter Chang

Tout sauf en famille

De Seth Gordon

Avec Vince Vaughn et Reese Witherspoon

Genre cinématographique : comédie plate

Le sujet tient en une seule paraphrase ; un couple d’épicuriens se croit obligé de passer ensemble leur fête de Noël dans leurs familles respectives. De cette mornitude cinématographique, tout sonne faux du début jusqu'à la fin du film ; et cela pour le scénario, pour la peinture sociale, pour le jeu d’acteur et cela pour autant que le réalisateur ait voulu dans son intention, nous faire passer un bon moment. Détaillons.

Le scénario est bancal dès le début par ce qu’il est servi par une intrigue inexistante. Le film se résume en une succession de tableaux descriptifs de familles américaines de la classe moyenne. Le seul lien qui relie les différends épisodes de la description est le trajet automobile entre les différentes familles où il ne se passe strictement rien entre le couple, si ce n’est que quelques tentatives de scènes de ménages. Or lorsque le scénario est inconsistant, le film est bavard, et, dans cette œuvre, vous êtes servis. Les dialogues sont creux et ils ne font pas avancer l’action. Ils ne sont là que pour induire un humour peuplé de poncifs sur le couple ou la famille américaine. Fuir sa famille pour les fêtes de Noël et y être contraint d’y aller, parce qu’une caméra indiscrète vous a piégé, témoigne d’un prétexte ténu pour aborder une histoire qui au final n’en est pas une. Les prémices de l’ennui me guettaient à la minute cinq du film.

La peinture de la famille américaine tend vers la caricature sans l’atteindre et donc sans déclencher le rire. Entre la famille de « beaufs » castagneurs ou celle de la bigote marmailleuse, entre les mamans couches-culottes et les grands-pères éteints dans leur fauteuil, les traits ne sont pas assez marqués, les situations ne sont pas assez contrastées, pas assez tranchées. Et l’on ressent très vite la fadeur et la platitude, au fur à mesure que le film avance. Le mythe de la famille divorcée et recomposée si chère à l’Amérique est traité dans la superficialité d’un ton badin, imposé par le principe de la comédie. De même que sur le thème de la maternité ou de son refus, le réalisateur n’a pas su nous faire rire, tellement les dialogues sont plats et les situations convenues.

Comment faire rire sur des sujets éminemment tristes, si on ne prend pas le contre-pied résolu de ce qui nous fait pleurer. Le réalisateur n’a pas su faire et n’a fait œuvre que de platitudes aseptisées et lassantes. De ce fait, le jeu des acteurs s’en ressent ; il est appliqué et laborieux. Ils donnent la sordide impression qu’ils répètent la scène au lieu de la jouer et avec ce regard interrogateur tourné vers la caméra, comme pour lui demander si le jeu convient ou pas. Pour ma part, je suis sorti de la salle, convenu d’ennui.

The spirit

De Frank Miller

Avec Gabriel Macht, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson et Eva Mendes

Genre cinématographique : pastiche de comics book

De cette adaptation de bande dessinée de Wild Eisner, on ne retiendra que le graphisme et la photo « vintage » de l’image. Pour le reste, l’exercice reste bien pâle dans la démesure d’un comics. Si la trame du scénario de la bande dessinée est respectée, les éléments employés pour la traiter, ressemblent à un vaste bric à brac de clichés empruntés au monde de l’héroïc fantasy américaine.

La première maladresse de Franck Miller est d’avoir traitée l’œuvre de Will Eisner, à la façon d’un roman noir américain des années cinquante, à la James Ellroy. Certes les deux auteurs sont contemporains, ils parlent du crime organisé, mais ils ne le font pas de la même façon. Transfigurer le héro de la bande dessinée en Dick Tracy ou en Nestor Burma au grand écran, si cela relève d’une parodie volontaire, dans le cas présent, cela ne sert qu’à masquer les insuffisances du scénario qui se résume à un face à face permanent entre deux personnages, entourés d’artefacts grotesques. Les effets quitschs sont légions :

-Dans le jeu des acteurs, le super héro est un bellâtre batifolant en danseuse sur les toits de la ville. La collection de femmes, gravure de mode des années cinquante, au romantisme énamouré est saisissante de ridicule. Les dialogues sont d’une niaiserie confondante dans leur manichéisme du combat entre le bien et le mal, de sorte que tous les personnages s’en trouvent vidés de leur substance. Les contre-emplois aguicheurs ou provocateurs sont largement utilisés : un Noir en uniforme de SS, flanqué d’une flopée de mutants trisomiques, feraient retourner Himmler dans sa tombe et rigoler quelques néo-conservateurs américains. Dans le film, le gentil, le super- héro, c’est  le Blanc, et le méchant, le super- vilain, c’est le Noir ; ce qui relève d’un contre-emploi fâcheux dans l’air du temps de l’Amérique actuelle.

Outre le fait que les protagonistes de l’histoire s’entre-tuent avec une opiniâtreté laborieuse et à l’aide de tout ce qui leur tombe sous la main, le réalisateur n’a pas hésité à les faire évoluer dans des décors du type fourre-tout. Les carrosses américains des années cinquante côtoient sans complexe les hélicoptères d’assaut de la dernière génération et les vieilles pétoires de calibre 38 rivalisent avec les mitrailleuses portatives de calibre 50. Le sang d’hercule et la toison d’or sont aussi les invités d’une mythologie grecques de circonstance, afin d’étayer un scénario quelque peu flapi.

Si Franck Miller a voulu ressusciter l’atmosphère de la bande dessinée, il est loin du compte. Il n’y a ni angoisse, ni magie, dans l’interprétation qu’il fait de celle-ci. Mais s’il ne s’était pas pris au sérieux, et s’il avait exagéré quelque peu ses outrances, il se serait fendu d’un superbe Nanar. Hélas, il s’est pris au sérieux et il nous a pondu un navet. 

Vers une définition du navet

Ce mois-ci : Splendeurs et miséres du navet technique

Lorsqu’un film vous ennuie, au point que vous vous attachiez à regarder les points de détails de sa construction, vous trouverez souvent là une bonne raison de le détester, pour le fait qu’il soit mal construit.

Les fautes de facture d’un film concernent tout ce qui est la prise d’image, le son, les décors et les costumes. Les erreurs de montage sont l’apanage des navets. Toutes ces coquilles ou ces bévues, indépendamment de l’intention du réalisateur, peuvent rendre mauvais un film acceptable. C’est la définition du navet technique.

Passons sur ces plans coupés où l’on ne voit que le dos, sans la tête, ni les jambes d’un personnage ou les hypothétiques cadrages qui ne vous laissent apercevoir que des images floues aux contours indécis en arrière-plan. Oublions ces travellings qui n’arrivent pas à rattraper  les acteurs dans leur jeu ou dans leur course d’action. Que dire encore de ces images qui brutalement passent de la couleur en noir et blanc, sans l’artifice d’une fondue enchaînée. Vous vous délecterez sans doute en voyant deux plans sur la même image, avec deux pellicules de grain différent.

Nous éviterons de vous parler de ce son, ou inaudible ou soudain tonitruant qui fait pleurer tous les projectionnistes. Évoquons encore toutes ces musiques mal choisies qui détruisent l’atmosphère d’une œuvre ou qui dénature l’action d’un personnage, au point de transformer un drame Shakespearien en une comédie Bollywoodienne.

Ne nous attardons pas sur ces décors en images de synthèses, plus fausse que nature, qui grâce à une pixellisation mal maîtrisée, ils rendent au carton-pâte d’antan un brevet d’authenticité qui ferait pâlir d’envie un décor naturel. Mais rassurez vous, vous ne verrez plus des portes avions faisant irruption dans la préhistoire, juste seulement des soucoupes volantes.

Nous apprécierons à leur juste valeur, ces costumes hétéroclites oscillant entre dix époques de l’Histoire, avec des mises approximatives où l’on voit des cow-boys trop bien rasés et des foules médiévales trop sales sur elles.

Si bien souvent, la documentation reste imprécise, l’intention du réalisateur et la concordance des budgets ne coïncident pas. Si bien que beaucoup de caractéristiques techniques dans une œuvre sont bâclées ou sont bouclées avec des bouts de ficelles pour l’ensemble des décors, ou des bouts de chandelles pour l’image.

Mais l’inexcusable reste encore à venir ; c’est-à-dire l’option du montage mal fait. Pour des scènes qui s’enchaînent sans liens apparents, pour des époques et des temps de l’action qui s’entrecroisent dans une chronologie approximative, dans des rebours anarchiques, nous tannerons le réalisateur. Mais que dire encore des scènes coupées pour des raisons de « timing’ , qui font que l’intrigue tourne court, ou que le scénario ressemble à un non-sens. Bien souvent le réalisateur ne maîtrise pas son sujet et se retrouve avec des bouts de pellicules, qu’il ne sait comment assembler.


 

LES SOLDES DE L’AUTOMNE : Ces zéros qui nous ennuient !

Mon espion préféré 
 

De George Gallo

Avec Antonio Banderas, Meg Ryan et Colin Hanks

Genre cinématographique : comédie alimentaire à la sauce américaine.

Où l’on revient gaillardement, avec cette œuvre, sur les poncifs pudibonds et aseptisés de la comédie américaine, en comparaison de laquelle, les films de W.C. Fields sont des chef-d’œuvres de l’humour trash.

Les thèmes revisités dans ce film sont nombreux, ils sont galvaudés dans un humour sans saveur, lisse et expédié :

- L’Amérique qui mange !. Il ne se passe pas une action ou une scène sans que, au moins un des protagoniste de l’histoire ne mastique, ou des chips, ou des cacahuètes, ou une quelconque nourriture exotique plus ou moins avouable. Pour comble de malheur, mon voisin de fauteuil n’a pas eu de cesse de grignoter tout au long de la projection. J’ai donc bénéficié d’un bruit de  mandibules en stéréophonie.

- L’Amérique boit, tout et n’importe quoi, à n’importe quelle occasion et à toute heure !. Avec un contenant à la main à chaque scène, les acteurs m’ont fait revivre les heures de gloire de la série « Dallas ». Sauf que !, dans ce film, la cigarette y est bannie ; le politiquement correct est respecté. L’Amérique ne fume plus.

- L’Amérique et ses espions : le classicisme en humour est de rigueur, avec des agents du F.B.I tantôt benêts et prudes, tantôt gaffeurs et maladroits. Toute la gamme de la parodie des planques et des surveillances est à l’écran, avec en prime, le mythe du suspect imaginaire. Nous avons droit à l’agent de la C.I.A retord et séducteur, qui est censé tirer toutes les ficelles. Enfin, pour compléter le tableau, nous avons les inévitables cambrioleurs de haut vol, affublés de leur attirail de circonstance de haute technologie. Comme d’habitude, vous avez droit au méchant français avec sa sale gueule habituelle. Les poncifs ont la vie dure même s’ils appartiennent au registre de la dérision.

- L’Amérique et son mythe de la femme éternellement belle, qui passe son temps à faire l’amour et à s’éclater avec le premier venu, qu’il soit « Latin Lover » ou un étudiant boutonneux.

Pour le reste, l’intrigue tient en une phrase : un agent du F.B.I est chargé de surveiller sa mère qui est soupçonnée de fricoter avec un cambrioleur d’œuvre d’art. De la pauvreté de l’histoire, on ne pouvait supposer une comédie élaborée, avec un humour solide. Ici le réalisateur fait œuvre d’une parodie facile et convenue de certains mythes de l’Amérique.

Pour ce qui est des acteurs, leur jeu s’apparente à une prestation à minima, tournant volontiers en dérision leurs rôles du passé. Antonio Banderas est toujours l’éternel séducteur avec un pistolet dans chaque main et Meg Ryan joue toujours la femme Américaine délirante.

L’ennui général que dégage cette œuvre est renforcé par une musique quasi omniprésente, qui laisse le sentiment que le réalisateur a tenté vainement d’atténuer la fadeur de son film.

Bouquet final 
 

De Michel Delgado

Avec Didier Bourdon, Bérénice Béjo et Marc-André Grondin 

 

Genre cinématographique : comédie d’enterrement.

Peut-on rire de tout et de n’importe qui ?. Oui !. Mais pas n’importe comment, dirai-je en paraphrasant Pierre Desproges.

Ce film est un véritable sinistre, avouerait mon assureur chargé de ma convention obsèques.

- En premier lieu pour les dialogues qui tiennent lieu de scénario. Les jeux de mots sur la profession de croque-morts y sont légions et semblent rythmer toutes les scènes du film. À croire que toute l’œuvre a été bâtie autour de ces jeux de mots. Que dire de ces derniers, si ce n’est qu’ils ont la lourdeur d’un cercueil rempli de poncifs sur lequel on y aurait dressé la couronne mortuaire de l’humour.

De cette lamentable palinodie sur le milieu des pompes funèbres, il ne manquait que les pleureuses. Las !, trois fois Hélas, elles étaient dans la salle et regardaient le film. Outre le fait que le réalisateur peine à nous arracher un sourire pour un comique de situation convenu et rebattu, il ne nous distrait guère en greffant sur son œuvre une ossature d’un vaudeville des plus ordinaires. L’histoire est grotesque : un apprenti croque-mort maladroit, chaperonné par un mentor dépressif et suicidaire, essaye de cacher son inavouable profession à sa dulcinée, pour le fait qu’il aurait escroqué un parent de la belle lors d’un décès. Mais ici l’intrigue ne sert de prétexte que pour une suite de gags éculés sensés nous faire rire.

Le jeu des acteurs n’aide en rien cette œuvre dans sa finalité comique. Les rôles de composition sont laborieux. Didier Bourdon est souvent en de ça ou au-delà de son rôle, en nous donnant une impression de comique forcé. Marc André Grondin finit très vite par être lassant dans son rôle de jeune premier éternellement niais, confronté au sujet des obsèques à travers toutes les catégories sociales. Gérard Depardieu continu à jouer les retraités, avec un manque de conviction manifeste. Dans son rôle de papa-gateaux, il nous donne l’impression d’être totalement lisse. Bérénice Béjo est la seule à tirer son épingle du jeu en jouant au naturel le seul personnage empreint de maturité, sans pour cela déroger du registre de la comédie.

Pour couronner le tout, le réalisateur vous sert une musique qui n’est pas toujours bien choisie et qui ressemble à un flocage, pour agrémenter une comédie bien terne.